Cataclismo Cerebral

A Hora do Adeus...

2008-07-31T07:43:00.000-07:00

Muito obrigado pelo apoio que me deram ao longo deste tempo! A vida está sempre em movimento e chegou a hora de embarcar noutras aventuras. Que o Cinema more connosco!

Até sempre...

Senhoras e Senhores, Annie Leibovitz!

2008-07-28T09:04:00.000-07:00

Angelina Jolie

Alec Baldwin, Jennifer Connelly e Thomas Jane

Nicole Kidman

Dame Judi Dench e Dame Helen Mirren

Scarlett Johansson

Fim-de-Semana...

2008-07-26T13:21:00.000-07:00

A Desaparecida (1956), de John Ford. Hoje, RTP2, 22h45

Sonata de Outono (1978), de Ingmar Bergman. Hoje, RTP2, 00h45

Platoon - Os Bravos do Pelotão (1986), de Oliver Stone. Amanhã, canal Hollywood, 17h30

Tubarão (1975), de Steven Spielberg. Amanhã, canal Hollywood, 22h00

Rapariga com Brinco de Pérola (2003), de Peter Webber. Amanhã, RTP1, 02h35

The Dark Knight - O Cavaleiro das Trevas (2008)

2008-07-26T06:24:00.000-07:00

Cidade Sob Pressão

Independentemente dos resultados práticos, The Dark Knight pode-se orgulhar de ter sido, desde o início da sua produção, um inacreditável fenómeno na gestão das expectativas dos públicos (mesmo daqueles que não se entusiasmam por aí além pelo universo dos super-heróis, grupo onde me incluo, confesso), alicerçado numa das mais prolíficas estratégias de Marketing a nível mundial e na curiosidade em observar o malogrado Heath Ledger naquela que é uma das suas últimas participações em cinema. A espectacularidade em torno da promoção do filme bem tenta legitimar a imensa qualidade deste, mas não há volta a dar: The Dark Knight insere-se na categoria dos filmes sobrevalorizadíssimos, sendo mesmo um daqueles casos em que a montanha pariu um rato.

Nesta nova aventura, o Homem Morcego une forças com o Tenente Jim Gordon e com o popular Procurador Distrital Harvey Dent, como forma de erradicar totalmente os colectivos mafiosos que continuam a operar em Gotham City. No entanto, um criminoso muito inteligente (e bastante perverso) conhecido por Joker chama para si todas as atenções, ao desafiar os três heróis da cidade e ao desencadear ondas de violência, destruição e pânico sem precedentes.

Economia narrativa deve ser um conceito não muito perceptível pelo ambicioso realizador Christopher Nolan, que aqui filma, filma, filma e filma sem saber bem quando deve parar. The Dark Knight arrasta-se numas intermináveis 2h30 de projecção no seu fogo de artifício de encher o olho (mas lapidado de inconsequência), num dispensável moralismo de pacotilha e no seu penoso, revoltante e pestilento pretensiosismo. A megalomania do filme não se encontra apenas na sua duração mastodôntica: por exemplo, os grandes planos sobre os edifícios da cidade e a utilização de uma banda-sonora eminentemente dramática tentam tudo por tudo para conferir uma intensidade emocional que pura e simplesmente não existe (e que a existir, não jogaria bem com as longuíssimas e enfadonhas sequências de acção). O Batman de Christian Bale padece de uma pífia caracterização, ao mesmo tempo em que se vê obrigado a debitar diálogos sofríveis.

No final, já pouco se aproveita. A tautologia mata o filme de vez e é inevitável pensarmos na redundância de todo o projecto. A frustração também toma o seu quinhão: o que é feito do genial autor de Memento e Insomnia, que tão bem começou a construir uma carreira com base numa brisa de inteligência e originalidade? Aqui, Cristopher Nolan assume uma decepcionante condição de tarefeiro e nem sequer consegue imprimir um mínimo cunho pessoal; pelo contrário, torna-se anónimo e igual a qualquer outro artesão de 2ª categoria que tenta triunfar em Hollywood à conta de blockbusters insípidos. No geral, salva-se o conjunto de interpretações, com o inevitável destaque para Heath Ledger (que não só rouba as cenas em que entra, como rouba todo o filme) e para a dupla Morgan Freeman e Michael Caine, com a elegância interpretativa do costume. Já agora: serei o único a achar a voz de Batman involuntariamente cómica? Soa-me a uma mistura da personagem de Jim Carrey em O Melga com o actor Keanu Reeves, se bem que num tom ainda mais grave do que o deste.

Conclusão: na saga Batman, continuo a preferir o minimalismo cénico e o apurado sentido de espectáculo do seminal Batman Returns.

Classificação: 1/5

A Mãe e o Pai, segundo Steven Spielberg

2008-07-22T07:17:00.000-07:00

É certo e sabido que a obra de Steven Spielberg se encontra contaminada pela complexidade das relações entre pais e filhos. Este facto deve-se a um acontecimento nuclear na vida do cineasta: o divórcio dos seus pais.

Na cinematografia do realizador de A Lista de Schindler, a Mãe é quase sempre representada como um poço de infindável amor, alguém que apresenta dignidade e perseverança, independentamente dos contextos.

Exemplos:

Dee Wallace Stone em E.T. - O Extra-Terrestre (1982)

Frances O'Connor em A.I. - Inteligência Artificial (2001)

Já no caso do Pai, o cenário não é tão estimulante. A figura paterna surge quase sempre como um ser ausente, física (Terminal de Aeroporto) ou simbolicamente (Hook). A excepção parece residir na personagem de Tom Cruise em Minority Report - Relatório Minoritário (2002).

Exemplos:

Christopher Walken em Catch Me If You Can - Apanha-me se Puderes (2002)

Tom Cruise em War Of the Worlds - Guerra dos Mundos (2005)

As Fases de uma Relação, por Judd Apatow e Companhia

2008-07-21T09:33:00.000-07:00

O início da Relação (onde se inclui a perda da virgindade)

A chegada de um filho

A ruptura

Fim-de-Semana... de Elevada Qualidade!

2008-07-19T10:57:00.000-07:00

Dog Day Afternoon - Um Dia de Cão (1975), de Sidney Lumet. Hoje, na RTP2, às 22h45;

Cries and Whispers - Lágrimas e Suspiros (1972), de Ingmar Bergman. Logo a seguir a Dog Day Afternoon (quando rondar as 00h50);

Closer - Perto Demais (2004), de Mike Nichols. Amanhã, na SIC, às 23h50.

TOP 5 Edward Norton

2008-07-17T08:11:00.000-07:00

1) American History X - América Proibida (1998)

2) 25th Hour - A Última Hora (2002)

3) Fight Club - Clube de Combate (1999)

4) Primal Fear - A Raíz do Medo (1996)

5) The People Vs. Larry Flynt - Larry Flynt (1996)

A (Re)Descobrir...

2008-07-14T08:46:00.000-07:00

L'Anglaise et le Duc - A Inglesa e o Duque (2001): Agora que se encontra nas salas portuguesas o novo filme de Eric Rohmer, Os Amores de Astrea e de Celadon, aproveito para fazer justiça a esta obra-prima do esplêndido cineasta da Nova Vaga. O filme, que se debruça sobre a Revolução Francesa, é um pungente objecto experimental: a nível da narrativa, deixa-se dominar pela atmosfera teatral (e pelo poder inalienável da palavra); no plano visual, usufrui das mais modernas tecnologias digitais para recriar as paisagens como se de pinturas se tratassem. A Inglesa e o Duque é um filme fundamental deste novo milénio, que combina classicismo com modernismo e que importa (re)descobrir com a maior das urgências.

Fim-de-Semana...

2008-07-11T07:01:00.000-07:00

Persona - A Máscara (1966), de Ingmar Bergman. Aquela que é certamente uma das pedras-basilares da História do Cinema e um autêntico monumento ao existencialismo é exibida este Sábado, na RTP2, por volta das 00h45.

Natural Born Killers - Assassinos Natos (1994), de Oliver Stone. A obra-prima de Oliver Stone, que lança uma contundente crítica ao modus operandi dos mass media e ao fascínio desenfreado por todo e qualquer tipo de "estrelas", roda na TVI, no Domingo, às 00h45.

Oldboy - Velho Amigo (2003)

2008-07-09T06:49:00.000-07:00

A Vingança fez-se para Matar

A designação de obra-prima sabe a pouco, a muito pouco. O filme vai mais para além desse rótulo; é uma experiência inominável para os sentidos que jamais se descola da nossa pele. Oldboy é o segundo tomo de um tríptico sobre a Vingança (que teve o seu início com Sympathy for Mr. Vengeance e que culminou com Sympathy for Lady Vengeance), assinado pelo sul-coreano Park Chan-wook. Aclamado como um dos mais espectaculares exercícios do cinema oriental contemporâneo, Oldboy viu a sua mestria ser reconhecida no Festival de Cannes ao lhe ser atribuído o Grande Prémio do Júri em 2004 (Quentin Tarantino fazia parte do painel de jurados e ficou fascinado com a obra, concedendo-lhe uma espécie de benção que se tornou fulcral para a projecção internacional que se seguiu).

Depois de uma noite regada a álcool, Oh Dae-Su é raptado e misteriosamente encarcerado num quarto de hotel que apenas dispõe de uma cama, secretária, bloco de notas e uma televisão (a sua única janela para o exterior). Esta enigmática situação não se resolve de imediato mas sim prolonga-se durante 15 anos de duras sevícias e da mais cruel das reclusões. Porém, chega o dia em que Dae-Su é inexplicavelmente libertado e incentivado a descobrir, num prazo de cinco dias, a identidade de quem lhe causou tanta dor. Com a ajuda de uma simpática chefe de shushi, o homem lança-se numa árdua investigação que o colocará face ao seu passado e a um violento processo de vingança...

Subversivo como poucos, Oldboy glosa uma temática já demasiadas vezes explorada pelo cinema oriental ( a vingança e a brutalidade a ela associada) mas não se reduz nem se esgota nesse tópico narrativo; aliás, reinventa-o magistralmente, graças a um argumento belíssimo com ecos de tragédia grega, a uma direcção artística notável e a um domínio virtuoso da câmara que não deixa ninguém indiferente. Filmar 'acção' de forma original nos dias de hoje é extremamente difícil, mas esta obra promete e cumpre na perfeição. O filme nunca se esquece que a captação arbitrária de cenas de acção de nada vale se por detrás não houver emoção, desenvolvimento narrativo e personagens consistentes com quem nos preocuparmos. Park Chan-wook constrói planos imbuídos da mais obscena violência que, no entanto, conseguem atingir um grau de beleza, lirismo e metafísica aparentemente impossível. Apetece dizer que Oldboy é quase um acto de sublimação de um certo tipo de violência estilizada e altamente coreografada, que escapa aos lugares-comuns daquilo a que temos vindo a assistir nos filmes do género. No entanto, aqui há de tudo: sangue a rodos, suor, lágrimas, amor desregrado e dor anímica, formando um cocktail explosivo e irresistível.

É um facto que Oldboy assemelha-se a um filme de 'super-herói' mas foge às habituais fragilidades narrativas desse universo, e não teme a sua condição de adaptação de um manga (de Tsuchiya Garon, para sermos precisos). A riqueza conceptual do todo é uma mais valia inolvidável, à qual se vem juntar ainda o imprescindível desempenho de Choi Min-sik, repleto de garra, desejo e vulnerabilidade comovente. Estamos perante um monumento cinematográfico moderno que divide radicalmente as opiniões. Eu cá já sei o que a casa gasta; se me perguntarem o que acho de Oldboy serei obrigado a responder eloquentemente: "Um dos melhores filmes de sempre!"

Classificação: 5/5

State and Main (2000)

2008-07-08T06:56:00.000-07:00

Rodagem Debaixo de Fogo

Uma equipa de produção cinematográfica chega à pitoresca cidade de Waterford, no Vermont, para ali realizar um filme intitulado The Old Mill. As complicações também vêm com o staff e começam-se a manifestar logo ao início, sob a forma de actores egocêntricos, de um argumento ainda por trabalhar, de habitantes sequiosos por lucrar com as filmagens na sua terra e de um orçamento que se está a expandir para valores altíssimos. Entre a podridão moral daqueles que querem fazer um filme e daqueles que dele se querem aproveitar, surge uma das poucas pessoas que mantém a integridade pessoal e artística: o menosprezado escritor e agora argumentista Joe White, o (anti) herói da história que apenas deseja que o seu script veicule correctamente o tema da busca da pureza...

O que se retém de State and Main é uma deliciosa e contundente crítica à indústria cinematográfica de Hollywood, um pouco à semelhança daquilo que Robert Altman fez nos anos noventa no seu implacável The Player. O dramaturgo, realizador e argumentista David Mamet desenvolve uma fita de inegável subtileza que estabelece uma relação intíma com a linguagem teatral sem se alienar dos imprescindíveis códigos do cinema. Dito de outro modo: State and Main respira o ritmo fluido dos palcos, explorando os seus diálogos lapidares e as suas múltiplas personagens sempre nesse registo; no entanto, e apesar desta componente, nunca deixa de ser um filme. O que resulta é uma obra sedutora, inteligente e divertida (e com um grande, grande elenco) em que a pureza convive com os esquemas mais ardilosos de gente muito gananciosa. Joe White, desempenhado pelo sempre notável Phillip Seymour Hoffman, consegue atingir esse estado de candura não só no nome e no plano artístico, como também na veia amorosa, ao esbarrar com a dona da livraria local. Afinal, ainda há esperança para as gentes de Hollywood!

Classificação: 3/5

Bitter Moon - Lua de Mel, Lua de Fel (1992)

2008-07-05T07:54:00.000-07:00

Quando um Homem ama uma Mulher...

Roman Polanski encena, em Bitter Moon, um assombroso conto erótico que se propõe a destruir, com vincada convicção e sarcasmo, as mais diversas ilusões e convenções reinantes no género romântico. Não só o realizador cumpriu a tarefa com um êxito avassalador, assinando um drama muito ácido que se assemelha a um opúsculo anti-romance, como acabou por edificar um dos melhores títulos da sua filmografia. Estamos, de facto, perante uma melancólica história de encontros acidentais, tecida com uma elevada carga sensual e que perscruta, com sobriedade, a faceta mais perversa do desejo, do amor e da obsessão sexual.

Oscar e Mimi sentiram uma atracção instantânea quando os seus rumos se entrelaçaram. O amor fogoso brotou, ganhando uma aura idílica, mas cedo se auto-consumiu devido à forte dependência que se estabeleceu entre aquele par de amantes. Afinal, tudo o que é vivido com tanta intensidade acaba por estagnar, mais tarde ou mais cedo. Agora, enquanto estão num cruzeiro rumo a Istambul, Oscar e Mimi estabelecem contacto com um jovem (e reprimido) casal inglês, que será o fiel depositário dos relatos incendiários de uma paixão que já o foi, mas já não é, e que apenas deixou dilacerações irreversíveis nos seus elementos humanos.

Bitter Moon escalpeliza, com assumida naturalidade, temas tão escaldantes como a decadência moral, a anulação pessoal e a submissão (sendo que este último acarreta a prática do sadismo e masoquismo), sem nunca esquecer a estruturação de uma narrativa eminentemente complexa a nível dramático. O conteúdo aqui é sério, adulto e radicalmente diferente dos padrões românticos que Hollywood tão prolificamente advoga. Roman Polanski quase desce a patamares dantescos, nesse seu inominável objectivo de desbravar os territórios movediços da interacção entre um homem e uma mulher (e do amor e do ódio que se apoderam de cada um deles). Uma coisa é certa: a viagem naquele cruzeiro será tão trágica e inesquecível como o percurso daquela história amorosa.

Classificação: 4/5

Sábado, na RTP2...

2008-07-04T08:27:00.000-07:00

- A Cor Púrpura (1985), de Steven Spielberg. Com Whoopi Goldberg, Danny Glover e Oprah Winfrey (no papel que lhe deu uma merecida nomeação ao Óscar de Melhor Actriz Secundária);

- Morangos Silvestres (1957), de Ingmar Bergman. Uma das obras-primas do cineasta já falecido, que lhe grangeou a primeira nomeação ao Óscar de Melhor Argumento Original.

Bom fim-de-semana!

A Austeridade do Medo

2008-07-03T09:00:00.000-07:00

Funny Games (1997), de Michael Haneke

Funny Games (2007), de Michael Haneke

Agora que o remake de Funny Games chegou às salas de cinema, seria bom rever a obra original na televisão!

Por onde andas, Nastassja Kinski?

2008-07-02T08:29:00.000-07:00

Tess (1979), de Roman Polanski

One from the Heart (1982), de Francis Ford Coppola

Paris, Texas (1984), de Wim Wenders

Dead Man - Homem Morto (1995)

2008-07-01T09:40:00.000-07:00

Jornada para a Morte

Fascinante pérola existencialista dos anos 90, injustamente subvalorizada e esquecida. Jim Jarmusch celebra em Dead Man a revisitação do género querido do cinema clássico americano: o Western. Só que em vez de se contentar com a transposição dos códigos narrativos inatos a esse género e com o mero decalque da sua simplista atitude formal, Jarmusch reinventa-o e apresenta-nos um Western pós-moderno absorto numa metafísica arrebatadora, em simbologias desconcertantes e num acérrimo desencanto filosófico .

Filmado num belíssimo preto e branco (da responsabilidade de Robert Müller), Dead Man relata o árduo percurso físico, emocional e espiritual do jovem William Blake que, na segunda metade do século XIX, se dirige para a cidade de Machine em busca de um emprego como contabilista numa muito conhecida fábrica metalúrgica. Uma vez lá chegado, é maltratado pelo director daquela empresa familiar e posto na rua sem qualquer tipo de decoro. Ao errar pela pequena cidade "doentia", Blake trava conhecimento com uma afável ex-prostituta, com quem acaba por passar a noite. Mas o ex-amante da rapariga aparece e, num acesso de fúria, dispara mortalmente sobre ela, acabando por ferir também Blake. Este reage, abate o homem e foge sem destino. Às portas da morte e contando apenas com a ajuda de um índio (que alerta o contabilista para o facto de partilhar o nome com o famoso poeta visionário), Blake fica a saber que o homem que matou é o filho do empresário que o rejeitou, e que este mandou três assassinos no seu encalço...

Dead Man é uma galvanizante parábola sobre a Morte e uma carta de pessimismo em relação ao Homem e às suas acções inconsequentes. O filme tem um argumento tão rico que permite as mais estimulantes leituras: pode ser visto como o salutar encontro de um homem com a sua espiritualidade, a necessidade de fugir de contextos conspurcados (neste caso, a cidade) e alcançar a transcendência individual num qualquer lugar mais "puro", o agarrar a vida mesmo quando esta teima em nos escapar, ... Esta complexidade de interpretações torna Dead Man num objecto lírico irrepreensível, que foge aos lugares-comuns quer do cinema de massas, quer do dito cinema independente (que também os tem, é preciso dizer). Jim Jarmusch consegue aqui uma fita de inegável beleza etérea que encerra um paradoxo algo redundante, mas intenso: é no processo da morte certa que Blake saboreia como nunca a vida que lhe passou ao lado.

A composição musical de Neil Young é um pouco questionável, mas a verdade é que ajuda a acentuar o clima de estranheza veiculado pelo filme e confere-lhe uma identidade muito própria. Dead Man pode não ser consensual, mas quando alcança o nosso âmago, torna-se automaticamente uma referência do bom cinema arty dos anos 90.

Classificação: 4/5

Speed Racer (2008)

2008-06-29T07:35:00.000-07:00

Velocidade de Cruzeiro

Um filme de acção hiperbólica para toda a família, que funde universos distintos. A saber: banda-desenhada, videojogos, desenho-animado e imagem real. É mais ou menos assim que se pode definir a nova experiência de Andy e Larry Wachowski, se bem que o conceito de 'entretenimento para toda a família' cause alguma estranheza após o visionamento do filme. A verdade é que Speed Racer é uma obra kitsch bastante violenta para as crianças, mas também demasiado ingénua para os adultos. Não se percebe bem qual o público-alvo que o filme pretende atingir, mas começo a achar que deve rondar a faixa etária dos 13 anos, que se encontra viciada em jogos de computador do género 'acção imparável' e que devora todo o tipo de guloseimas.

Enfim, ainda não foi desta que a impenitente dupla de realizadores me conseguiu convencer definitivamente do seu talento. É com desencanto que digo que cada vez mais parece que o excelente Bound (1996) foi um erro de percurso. Desde esse brilhante momento criativo que espero com ansiedade que os manos consigam criar uma obra que respire com inteligência as coordenadas da linguagem cinematográfica, sem que para isso se tenham de desprender dos enleios das tecnologias digitais que dominam na perfeição.

Speed Racer recupera a popular série de anime japonesa de finais dos anos 60, que teve a sua origem numa igualmente famosa banda-desenhada. Speed Racer é o nome de um jovem ás do volante, destinado a saborear a vida em alta velocidade no seu carro Mach 5 e nas mais diversas competições. A prática deste desporto automobilístico não se esgota apenas em Speed; alastra-se também à sua família, que igualmente vibra com as correrias e até gere um negócio nesse meio. Mas a tragédia já bateu um dia à porta dos Racer: o filho primogénito, o célebre Rex Racer, perdeu a vida num trágico acidente.

Sentindo que deve homenagear os feitos do irmão e manter-se unido à estrutura familiar que tanto preza, Speed recusa assinar um lucrativo contrato com a Royalton Industries, uma poderosa e malévola organização. Essa decisão não é bem acolhida pelo demoníaco proprietário da empresa, que jura prejudicar a carreira de Speed. Para salvar o sustento da família e dignificar o desporto que o apaixona, o jovem talento alia-se a um enigmático corredor - o Racer X - e enfrenta a Royalton no seu próprio campo de batalha, ou seja, o local de competições que ceifou a vida do seu irmão...

Mais do que um filme, Speed Racer é um produto descartável, uma autêntica inanidade de ideias e criado somente para o gáudio dos próprios irmãos Wachowski. É como aquela espécie de private joke à qual ninguém deveria ter acesso, mas que infelizmente todos acabam por saber. O argumento é para lá de paupérrimo (os diálogos são sofríveis, existe uma atitude claramente anti-empresarial que nunca chega a ser bem explorada e a inevitável moral delicodoce da importância da força familiar) e as cenas de acção, certamente um atractivo para muita gente, resultam enjoativas até mais não. A estética completamente artificial anula qualquer possibilidade de envolvimento.

Não há aqui qualquer noção de plano, vertigem, ameaça ou incómodo; assistimos apenas a um pueril desfile de imagens hi-tech alucinadas (com uma paleta de cores garridas que quase ferem as órbitas e com um tom marcadamente pop) que parecem saídas de um jogo de pinball on acid. Este é mais um caso em que se confunde uma rápida sucessão de imagens ruidosas com intensidade emocional e onde o aborrecimento de morte se torna uma presença inevitável. Nem no patamar das interpretações Speed Racer encontra a salvação: gente tão ilustre como Susan Sarandon, John Goodman, Christina Ricci e a estrela em ascensão Emile Hirsch (recém-saído do fabuloso Into The Wild, de Sean Penn) não fazem jus ao seu imenso talento e parecem algo perdidos nesta nulidade em forma de filme.

Este é mais um passo dos realizadores no trilho da indigência criativa. Surpreendentemente, Speed Racer não foi o mega-sucesso que prometia arrasar com as bilheteiras norte-americanas. Será que o público já se apercebeu que a dupla está a ficar sem ideias?

Classificação: 0/5

Os Mais Esperados por este Blog: #1

2008-06-26T14:02:00.000-07:00

The Exchange, de Clint Eastwood. O novo filme do realizador de Million Dollar Baby (cujo título passou de Changeling para The Exchange) conquistou completamente a atenção deste blog! A história encontra-se à beira do inacreditável, mas baseia-se nos eventos reais ocorridos na Los Angeles de 1928. Quando o filho de Christine Collins (Angelina Jolie) é dado como desaparecido, a polícia apressa-se a acalmar os boatos de incompetência que se espalham pela cidade. A jovem mulher é então confrontada com um outro miúdo que a polícia diz ser o seu filho e que, ainda por cima, a trata por mãe. Christine sabe que aquele não é o seu filho e como se recusa a aceitar toda a situação, vê-se então obrigada a ser internada numa instituição psiquiátrica... Cannes aplaudiu o filme e Angelina Jolie, que esteve às portas de arrebatar a Palma de Ouro para Melhor Actriz. Este título poderá ser uma das fortes presenças na próxima edição dos Óscares.

Os Mais Esperados por este Blog: # 2

2008-06-24T14:00:00.000-07:00

Australia, de Baz Luhrmann. Um épico romântico de recorte clássico e visualmente arrebatador que volta a juntar Nicole Kidman e Baz Luhrmann, sete anos depois de terem brilhado a grande altura com Moulin Rouge!. É mais ou menos assim que se pode definir este Australia, um projecto que tem causado burburinho desde o começo. A história ocorre no início da 2ª Guerra Mundial e desenvolve-se em torno de uma aristocrata inglesa que herda uma propriedade no nordeste australiano. Para proteger a sua herdade dos interesses de terceiros, a jovem mulher alia-se a um experiente vaqueiro (Hugh Jackman). Ao conduzir 2.000 cabeças de gado por terras australianas, o par assiste ao bombardeamento da cidade de Darwin pelo exército japonês. A estreia do filme em Portugal está prevista para 25 de Dezembro.

Os Mais Esperados por este Blog: # 3

2008-06-23T13:59:00.000-07:00

Savage Grace, de Tom Kalin. Quer-me parecer que este filme está irremediavelmente condenado a ser um objecto obscuro, daqueles menosprezados pelo público e pelo jornalismo mais sensacionalista. Baseando-se num caso verídico, Savage Grace conta a brutal história da socialite Barbara Daly, que casou com um empresário da área dos plásticos e que manteve com o filho uma perturbante relação incestuosa. Diz-se que esta tragédia familiar contém uma das melhores interpretações de sempre de Julianne Moore.

Os Mais Esperados por este Blog: # 4

2008-06-22T13:51:00.000-07:00

Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen. O realizador nova-iorquino decidiu mudar de paisagem e desta vez filmou em Espanha. O resultado é um jogo amoroso que envolve duas amigas (Scarlett Johansson e Rebecca Hall) que se encontram a passar férias em terras espanholas e o homem pelo qual se apaixonam, um pintor (Javier Bardem). Entra depois em cena a ex-mulher deste, Maria Elena (Penélope Cruz), com quem o pintor mantém uma relação conflituosa. A recepção de Vicky Cristina Barcelona no último Festival de Cannes não foi magnífica, mas ainda assim existe muita expectativa para este 'rebento' de Woody Allen. Pode estar aqui uma das pérolas do ano!

Os Mais Esperados por este Blog: #5

2008-06-21T06:38:00.000-07:00

Stop-Loss, de Kimberly Peirce. Nove anos depois, a realizadora de Boys Don't Cry (filme que valeu a Hillary Swank o primeiro Óscar da sua carreira) regressa às longas-metragens, para para nos oferecer um drama de guerra. Inspirada pela incursão do seu irmão mais novo no território militar, Peirce narra aqui a história do soldado Brandon King que, após regressar das suas funções no Iraque, se vê forçado a lá voltar. Tudo por causa de uma cláusula pouco conhecida entre os combatentes (a Stop-Loss do título) que obriga a essa remobilização. Este acontecimento inesperado fará com que King avalie o poder do amor, da honra e da amizade. Mais uma valente crítica à estratégia militar norte-americana e aos efeitos devastadores que esta provoca nos seus 'filhos' ? Esperemos que sim!

The Happening - O Acontecimento (2008)

2008-06-18T07:07:00.000-07:00

Um Infeliz Acontecimento

Para mal dos seus pecados, M. Night Shyamalan ficou para sempre preso numa redoma alicerçada pelo público, que se arrepiou no final dos anos 90 com o excelente The Sixth Sense e que ficou completamente embasbacado com o já célebre twist final. Desde então, o seu percurso tem-se pautado por obras de grande qualidade, que reflectem sobre temas universais e que contemplam uma visão singular e desencantada sobre as características da actual nação americana.

No entanto, esses títulos não conseguiram repetir a espectacular adesão obtida pela obra de 1999. É a triste sina deste grande cineasta: embora o seu currículo esteja repleto de obras cada vez mais fabulosas, a verdade é que parece que o seu trabalho só será tido em conta se apresentar uma reviravolta que deixe meio-mundo de boca aberta. Efeitos colaterais (e esmagadoramente perversos): a forma profunda e inteligente como Shyamalan mergulha nos seus temas, as simbologias ávidas de descodificação e o rigor magnetizante da sua realização são injustamente marginalizados.

The Happening orquestra o conceito de paranóia generalizada que se instaurou no seios dos EUA no pós- 11 de Setembro. The Village já tinha abordado este tema na perfeição, se bem que de uma forma mais subtil. Nesse caso, tratava-se de uma alegoria assombrosa sobre o medo colectivo, a alienação auto-imposta, o amor incondicional e um clima de ameaça permanente. Neste novo filme, Shyamalan pega na temática ambiental (que cada vez mais é um assunto na ordem do dia) e encena uma parábola algo desconcertante sobre a revolta e consequente vingança da Natureza contra o Homem, após os actos prejudiciais cometidos pelas mãos deste. No limite, The Happening reinventa a velha moral que diz que degradar o meio ambiente é o equivalente a destruir progressivamente a nossa própria existência.

Este thriller ecológico nutre-se do espectro de Hitchcock para recriar o modelo de terror inexplicável que o mestre tão bem soube gerir no majestoso The Birds. Shyamalan ainda nos sabe arrepiar como poucos, mesmo que esteja a trabalhar com parcos recursos. O poder de sugestão deste filme é a sua mais-valia: tudo é relevante, até o mais pequeno pormenor; certos planos destilam uma aura maquiavélica que incomoda; o vento, as nuvens, as plantas e os sons colocam os nervos do espectador em sentido. Este encontra-se sempre em busca de uma justificação racional para a ameaça devastadora que se vai alastrando. O modo de realização, que se aproxima do espírito clássico, intensifica o medo e o envolvimento com a história, só que infelizmente o filme nunca chega a deslumbrar.

A premissa é bastante sugestiva, mas com o desenrolar da narrativa percebe-se que Shyamalan está a operar sobre material dramático muito escasso, restando-lhe apenas ceder a alguns truques visuais para impressionar. Ou seja, as mensagens que se pretendem veicular são interessantes, mas o resultado final não é apelativo o suficiente para se implantar na nossa memória. Sente-se sobretudo a falta das ressonâncias morais, religiosas e românticas que imperaram nas suas obras anteriores e que nos acompanharam muito depois do visionamento desses filmes.

The Happening deixa um certo desencanto no ar, uma sensação de vazio, apesar de ser um entretenimento razoável. A frustração inflama-se quando se chega à conclusão que alguns momentos nesta fita são decalcados de outros títulos marcantes da filmografia do cineasta indiano. Este factor 'colagem' não só é decepcionante como parece indiciar que Shyamalan se alienou de alguma da sua garra criativa. Algumas cenas desnecessárias (para não ter de dizer ridículas) também não ajudam à festa.

A escolha do par protagonista é sofrível: tanto Mark Wahlberg como Zooey Deschanel constituem erros de casting. Para além de serem actores dramaticamente limitados, a química entre ambos nunca funciona como seria de esperar. Por seu lado, a banda-sonora atmosférica e arrepiante triunfa por completo, fazendo-nos recordar a arte de bem manipular as emoções. Enfim, resta esperar que o realizador regresse ao seu pulso natural. É que The Happening está mesmo a anos-luz da qualidade dos seus trabalhos. E não espelha totalmente o enorme talento que reside neste génio do cinema contemporâneo.

Classificação: 2/5

A (Re)Descobrir...

2008-06-17T10:56:00.000-07:00

Very Bad Things - Eram Todos Bons Rapazes (1998): Nas vésperas do casamento com uma namorada muito neurótica, o noivo e os amigos fazem uma viagem para Las Vegas, com o objectivo de lá realizar a festa de despedida de solteiro. Um quarto de hotel recebe então o grupo, que se encontra abastecido de álcool e drogas. Um dos atractivos da noite é a presença de uma prostituta asiática, que acaba por morrer brutalmente durante uma sessão de sexo na casa-de-banho. Para se fugir aos problemas com a justiça, segue-se a matança do curioso empregado de hotel, o enterrar dos cadáveres no deserto e uma série de mortes que inclui elementos do grupo de amigos. Até à hora da cerimónia, vai correr muito sangue, suor e lágrimas... Mesmo sem ser um grande filme, esta é uma comédia negríssima realmente divertida, com um humor sem concessões. Foi realizada pelo actor Peter Berg e conta com as participações de uma muito jovem Cameron Diaz, Christian Slater, Jon Favreau (realizador do recente Iron Man) e Jeremy Piven (o implacável Ari Gold de Entourage). Um verdadeiro guilty pleasure!

Música do Dia...

2008-06-13T10:05:00.001-07:00

The New World - O Novo Mundo (2005)

2008-06-13T06:58:00.000-07:00

O Admirável Mundo Novo

Terrence Malick deve ser dos cineastas mais insondáveis do grande cinema americano. O autor 'eremita' raras vezes surge em eventos públicos, gere a carreira com pulso firme e alimenta uma aura de outsider criativo que recolhe os aplausos de diversos quadrantes (e muita inveja por parte dos seus pares, quase de certeza). O que é intrigante nos malabarismos deste jogo enigmático é que, mesmo com uma cinematografia reduzida (entre 1973 e 2005, Malick só nos presenteou com... 4 filmes), o realizador continua a possuir o condão de atiçar a curiosidade do público e dos media aquando da estreia de um projecto seu. Relembremos, então, a sua obra até ao momento: Badlands (1973), Days of Heaven (1978), The Thin Red Line (1998) e este The New World (2005). Pode ser frustrante constatar a pouca quantidade produzida em todos estes anos de labor, mas a imensa qualidade do conjunto suaviza esse triste pensamento.

The New World é a visão de Terrence Malick sobre o encontro feérico de duas bonitas almas, o capitão John Smith e a nativa Pocahontas. No século XVII, as embarcações inglesas navegam pelo Atlântico em busca de territórios virgens com potencial de riqueza. Ao alcançarem a costa da Virgínia, os colonizadores ingleses assentam arraiais, dando origem à colónia de Jamestown. No entanto, a fraca experiência do conjunto no desbravar de novos mundos cedo se faz notar, quando a fome colide com os seus objectivos e a procura de ouro se torna uma miragem arrasadora. Perante este cenário desolador, o Capitão Newport atribui ao também Capitão John Smith a tarefa de liderança de uma expedição em busca de alimentos. Inesperadamente, o grupo de homens é cercado e dizimado pelos elementos da tribo reinante Powhatan, e apenas Smith vê a sua vida ser poupada. Já na aldeia dos nativos, o capitão conhece a bela filha do chefe, Pocahontas, por quem se perde de amores...

Este pungente épico romântico, autêntico hino à contemplação transcendente e à salutar grandiosidade do espírito humano, está contaminado por um lirismo quase inebriante. O filme encontra-se embevecido, do princípio ao fim, com a poesia visual que apresenta. E tem razões para isso. A arrebatadora fotografia a cargo de Emmanuel Lubezki aposta tudo na exploração das paisagens naturais em toda a sua plenitude; o que se ganha é um passe para uma dimensão etérea e delicadamente assombrosa. A câmara de Malick é igualmente obsessiva na captação dos mais ínfimos pormenores, dos pequenos gestos aparentemente insignificantes que contêm um mar de singela beleza e que ecoam os mais puros sentimentos.

Mas infelizmente existem algumas pontas soltas no filme que contrastam com a excelência dos resultados obtidos no plano visual. Acontece que The New World perde o fio à meada no que diz respeito ao desenvolvimento humano das suas personagens, uma vez que não abdica nem por instantes da primazia concedida ao espectáculo das imagens. Em determinados momentos também se sente que a narrativa se torna algo letárgica, o que é pena. A voz off demasiado explicativa é que não ajuda nada, embora queira reflectir fielmente os estados de alma das personagens. Percebe-se a intenção, mas o problema é que essa opção, para além de quase não ser necessária e prejudicar o nosso natural envolvimento, roça o entediante devido à vulgaridade daquilo que é dito.

Q`Orianka Kilcher (prima da cantora Jewel) tinha apenas 15 anos quando lhe foi colocado o difícil desafio de interpretar a personagem de Pocahontas, mas a jovem e bela actriz compreendeu os objectivos de Malick e revela ter uma genuína capacidade de composição dramática aliada a uma imensa sensibilidade. Faço votos de que Kilcher construa uma carreira interessante, porque o talento ela tem. Colin Farrell e Christian Bale completam o triângulo amoroso desta aventura de abordagem clássica.

Classificação: 3/5

Jodie Foster em Acção...

2008-06-12T11:13:00.000-07:00

The Silence Of The Lambs - O Silêncio Dos Inocentes (1991)

Panic Room - Sala de Pânico (2002)

Flightplan - Pânico A Bordo (2005)

The Brave One - A Estranha Em Mim (2007)

Ferris Bueller's Day Off - O Rei dos Gazeteiros (1986)

2008-06-09T07:47:00.000-07:00

Um Dia em Grande!

Que é feito do talentoso argumentista e realizador John Hughes? Nos anos 80, Hughes era proclamado rei pela criação de filmes comerciais de grande qualidade que se direccionavam aos teenagers. Melhor ainda era a escrita do senhor, que sempre tratou a camada jovem com o que respeito que esta merece. Nos seus filmes, os adolescentes pensavam com inteligência, tinham problemas e no entanto não deixavam de ser muito divertidos, espontâneos e... reais! Lembremo-nos, por exemplo, do emblemático The Breakfast Club, o filme de Hughes que é uma autêntica pérola dos anos 80 e que representa bem a essência do "ser adolescente com miolos". Infelizmente essa época ficou perdida no tempo e actualmente somos presenteados com filmes teen pueris, irritantes e ocos. Apetece dizer: bons velhos tempos!

Ferris Bueller's Day Off toca num ponto nevrálgico de todos os que já passaram pela vida liceal. A saber: como arranjar desculpas para faltar às aulas e, mais importante, como aproveitar essas baldas da melhor forma possível? Ferris é o detentor das respostas. Decididamente o aluno mais popular da comunidade estudantil, Ferris é o típico miúdo com capa de santo à frente dos pais que na verdade é um mestre nas desculpas esfarrapadas para evitar um dia secante de matéria escolar. A sua popularidade é tal que todos o veneram e recorrem às suas artimanhas (a esquadra policial faz parte do grupo de fãs do jovem). Encostado à parede pelo número de faltas acumuladas, Ferris decide que já só se pode baldar um dia. E esse dia terá de ser memorável! Equipado com a namorada e com o perturbado amigo, Ferris decide aproveitar a "greve" ao máximo. O que ele não conta é com a perseguição obsessiva do director do liceu e da sua própria irmã, determinada a provar aos pais a verdadeira faceta de Ferris.

Esta é uma carta de amor à liberdade, à amizade e ao saborear da vida, antes da entrada definitiva no mundo dos adultos. Apesar de toda a loucura que é aqui semeada, o filme contém diálogos deliciosos e sentidos que reflectem o modo de pensar daqueles que se encontram nesta fase da vida. Ferris Bueller's Day Off foi um sucesso junto do público e crítica que deu a Matthew Broderick o papel que lhe lançou para o estrelato. Continua com uma imensa frescura, embora já se tenham passado 22 anos.

Classificação: 4/5

TOP 5 Julianne Moore

2008-06-06T11:19:00.000-07:00

1) Far from Heaven - Longe do Paraíso (2002)

2) The Hours - As Horas (2002)

3) The End of the Affair - O Fim da Aventura (1999)

4) Boogie Nights - Jogos de Prazer (1997)

5) Magnolia (1999)

Algo me diz que a interpretação da senhora no muito aguardado Savage Grace irá dar as voltas a este TOP, mas até lá fica como está...

The Island - A Ilha (2005)

2008-06-05T06:12:00.000-07:00

Perigo Iminente

Parece que Michael Bay está apostado a cumprir um único objectivo enquanto realizador: registar a maior dose de caos por filme, como que a querer cumprir uma qualquer quota. Basta lembrar, por exemplo, as desventuras dos dois Bad Boys e Armageddon. É certo e sabido que os argumentos às ordens de Bay são uma mera desculpa para filmar a acção desbragada, onde a alta velocidade mais enjoativa é rainha e a destruição massiva de tudo o que surge à frente é uma realidade incontornável. O fogo de artifício está empre presente, as perseguições são inevitáveis e a sensação de vazio é uma certeza absoluta. Para não variar, A Ilha não foge muito a este enquadramento.

Desta vez o realizador quis alterar um pouco o rumo das coisas, ao ceder a um argumento um pouco mais trabalhado do que é costume. Mas o esforço não valeu de muito, já que A Ilha pega numa temática interessante - a clonagem e respectivas complexidades e consequências - mas está-se completamente a borrifar para o aprofundar da mesma. É inevitável: Bay não está aqui preocupado com o desenvolvimento narrativo, tal como nunca esteve em nenhum dos seus outros projectos. Ainda assim, este é bem capaz de ser o seu filme com mais "sumo", apesar de tudo.

Passemos ao que interessa: situada num local remoto, encontra-se uma instalação hi-tech de grande beleza e de ambiente asséptico, que acolhe um considerável número de habitantes. Esta população, devidamente controlada por autoridades superiores, é ocasionalmente alvo de uma lotaria interna que premeia um dos habitantes com a ida para o destino mais que desejado. A saber: a Ilha, o último local do Mundo que não se encontra infectado e que corresponde inteiramente à noção de paraíso. Todos esperam a sua vez para se mudarem de malas e bagagens para lá, mas o habitante Lincoln Six-Echo começa a desconfiar da natureza dessa viagem. Quando a verdade sobre as identidades dos moradores vem ao de cima, Lincoln e a sua amiga Jordan Two-Delta escapam do complexo e são perseguidos implacavelmente pela forças de controlo...

A Ilha conta com excelentes valores de produção, traduzidos em cenários altamente sofisticados e equipamentos luxuosos. Ao nível do visual é inegável que se trata de um filme apelativo, mas nem isso foi o suficiente para atrair o público. A enorme aplicação monetária neste projecto não foi recompensada com lucro nas bilheteiras. De facto, A Ilha foi um fiasco monumental, um daqueles tipos de veneno que de vez em quando ataca o box-office norte-americano. A escolha do elenco soou a estranho desde o início, mas foi uma clara tentativa de aplicar prestígio a um produto rotineiro. Scarlett Johansson (cuja fotogenia é aqui celebrada entusiasticamente) e Ewan McGregor, actores normalmente ligados a filmes de menor orçamento e de maior qualidade, vão bem nos seus papéis, se bem que não lhes seja pedido para fazer muito mais do que correr o tempo todo.

É uma pena que o filme, para além de se perder na escolha do tom, cometa o erro de confundir correria tresloucada com intensidade emocional. Com tanta confusão visual a disparar de todos os lados, chega a ser estranho que o aborrecimento irrompa, mas é isso que acontece. Sem nada de particularmente memorável, fica-se com mais um thriller de acção descartável, influenciado por obras do passado, muito bonito mas com um teor demasiado light para deixar mossa (embora se use de um tema social e moralmente polémico).

Classificação: 1/5

A (Re)Descobrir...

2008-06-03T07:59:00.000-07:00

May (2002): Este conto psicológico muito negro relata o quotidiano de May, uma jovem marcada por uma infância traumática que apresenta sérias dificuldades de interacção social. Quando a sua boneca de louça (única amiga e confidente) se parte, May lança-se na criação de uma nova "companheira". O busílis é que a jovem começa a matar as pessoas com quem se cruza, recolhendo de cada vítima a sua melhor "parte" (mãos, pernas, braços, ...) e aplicando-a no seu projecto demente. Doentio mas também algo cómico, May é um indie de culto bem interpretado e realizado, onde a palavra 'originalidade' encaixa muito bem. O filme tem tudo para se tornar uma presença obrigatória nas sessões de cinema exibidas por altura do Halloween!

American Splendor (2003)

2008-05-31T08:23:00.000-07:00

Comics de uma Vida

Harvey Pekar, um neurótico com uma existência a roçar o caos, acumula relações falhadas, sobrevive numa casa em pantanas, colecciona discos antigos e tem um emprego não muito estimulante como arquivista. Entre uma e outra obsessão, Pekar decide auto-publicar uma revista de banda-desenhada chamada American Splendor, onde lhe é permitido inscrever e satirizar os malabarismos do seu quotidiano. Com a ajuda essencial do artista Robert Crumb, o homem comum da classe média americana passa assim a debruçar-se sobre as inquietações que o perseguem, a difícil conquista do amor, a formação de uma família e a sua luta contra uma doença devastadora.

Muito mais do que uma comédia offbeat sobre um eterno looser que não se importa de o ser, American Splendor é um brilhante retrato da obra e personalidade de um génio depressivo da cultura underground que encontrou na publicação das suas próprias comics a fonte de expressão artística máxima. O filme respeita inteiramente os moldes das BD's, integrando até essas especificidades na sua construção narrativa (há cenas que se deixam dominar pela estética e layout desse universo, com as personagens a surgirem desenhadas e com balões de texto a descrever o que se passa), o que resulta num delírio visual criativo.

Mas a dupla de realizadores não está interessada em traçar mais um biopic convencional de um artista alternativo, mesmo que este disponha de artifícios visuais que o distingam dos restantes. O inovador e interessante é que Shari Springer Berman e Robert Pulcini permitem que o verdadeiro Harvey Pekar faça alguns interlúdios para comentar determinadas situações ou até a performance de Paul Giamatti, que o interpreta de forma poderosa. No entanto, não é só Pekar quem brilha: também os outros visados na história têm tempo de antena para fazer as suas aparições e dizer de sua justiça.

Goste-se ou não de Pekar e do seu trabalho, a verdade é que American Splendor (um fulgurante sucesso indie que se fartou de arrecadar prémios) consegue conquistar pela sua veia criativa pululante, pela dose de comédia ácida e weird e ainda pelos seus momentos melodramáticos cativantes. É certo que a irreverência no campo formal compõe o ramalhete, mas o grande trunfo está mesmo no delicioso argumento. E no par de interpretações principais, da responsabilidade do já citado Giamatti e da subvalorizada Hope Davis.

Classificação: 4/5

Desafio...

2008-05-29T07:21:00.000-07:00

"Life is what happens to you while you're busy making other plans".

Acedi ao desafio da Betty Coltrane. O desafio consiste em arranjar uma frase que nos descreva e uma imagem que suporte essa mensagem. A frase deve conter o menor número de palavras possível (6 é o ideal).

Decidi escolher esta célebre frase de John Lennon, porque é um lema que me tem acompanhado ao longo dos anos. Lembra-me que devo apreciar todos os momentos da minha vida, as pessoas que fazem parte dela e afastar-me um pouco do caos, preocupações e hesitações que me possam constranger.

Passo o desafio a:

Planet Terror - Planeta Terror (2007)

2008-05-28T08:33:00.000-07:00

A Noite dos Mortos-Vivos

Quando uma estranha epidemia se começa a alastrar pela cidade, infectando os seus habitantes e transformando-os em zombies assassinos, então é altura de pôr as pernas a andar! Esta tarefa é particularmente difícil para Cherry, uma bela bailarina de striptease cuja perna foi arrancada sem dó nem piedade num infeliz incidente numa estrada. Apenas Wray, um antigo amante da dançarina e um expert no manejar de armas, a poderá salvar de todo o caos instalado. A partir do momento em que o número de infectados aumenta exponencialmente, Wray e Cherry decidem reunir um pequeno grupo de sobreviventes, enfrentar os ataques ferozes que surgem de todos os quadrantes e fugir para algures onde a segurança seja um dado adquirido.

E eis que o impensável aconteceu: Planet Terror, a outra metade do projecto Grindhouse a cargo de Robert Rodriguez, não só não perde na comparação com a empreitada de Quentin Tarantino (Death Proof), como na verdade consegue ser um pouco superior a esse segmento. Este facto constitui uma enorme supresa, tendo em conta que nunca tive o trabalho de Rodriguez em grande consideração. A sua insistência em privilegiar um certo cinema cartoonesco, sem qualquer tipo de substância, com argumentos esburacados e minados de clichés, nunca me foi apelativo.

Desta vez o vento soprou-lhe de feição: o realizador mexicano apreendeu a natureza do género sobre o qual iria operar, conjugou-a com as suas leis cinematográficas e assim conseguiu transpor os códigos do conceito Grindhouse com maior eficácia do que o autor de Reservoir Dogs. Planet Terror revela-se uma diversão contagiante, um guilty pleasure que saceia a nossa dimensão mais endiabrada ou até mesmo infantil. Era isto que se pretendia desde o início: um passaporte para um universo xunga que se coaduna com o espírito mais pueril daqueles que aceitam de antemão as regras deste jogo tresloucado. Quem não se identifica com os propósitos da jogada, é favor ficar de fora!

Visualmente mais imperfeito e retro (o filme parece realmente saído dos confins dos anos 70), Planet Terror apresenta-se também mais divertido, trashy e com muito mais gore do que o seu "irmão". Neste batido que faz as vénias aos filmes de exploitation que tão descaradamente invoca existe ainda uma piscadela de olho às marcas autorais de gente tão ilustre como John Carpenter e George Romero. E só apetece dizer que bem que este aglomerado de influências convive. O humor sem concessões é delirante (sem esquecer os one-liners deliciosos que moram aqui) e a noção de auto-indulgência é um factor que aumenta ainda mais a simpatia para com o filme. Este desfile de zombies e de sexy girls à beira de um ataque de nervos conta com a presença insinuante de uma Rose Mcgowan decidida a colocar a sua Cherry no catálogo das figuras icónicas do cinema do século XXI.

Por último, um tirar de chapéu a Rodriguez pela boa gestão dos desafios a que se propôs: não só escreveu e realizou o filme, como compôs a banda-sonora e esteve à frente da direcção de fotografia. Muitas tarefas, mas uma aventura bem-sucedida.

Classificação: 3,5/5

RIP Sydney Pollack (1934 - 2008)

2008-05-27T06:07:00.000-07:00

Fã confesso do período clássico do cinema hollywoodesco, Sydney Pollack dominou a arte do storytelling com uma perícia que serve de lição a todos aqueles que amam o cinema. As suas funções de actor, produtor e realizador permitiram-lhe desempenhar um papel activo na reinvenção de diversos géneros, ao mesmo tempo que lhe deram a oportunidade de participar em projectos de qualidade superlativa. Sempre atento às mutações da era contemporânea, Pollack nunca se esqueceu, no entanto, da importância vital da captura da sensibilidade das suas personagens. O seu legado é um marco fundamental constituído por obras inteligentes, sedutoras e inesquecíveis.

Alguns títulos de Pollack enquanto realizador:

- A Intérprete (2005)

- Encontro Acidental (1999)

- A Firma (1993)

- África Minha (1985)

- Tootsie - Quando Ele era Ela (1982)

- A Calúnia (1981)

- O Cowboy Eléctrico (1979)

- Os Três Dias do Condor (1975)

Alguns títulos de Pollack enquanto produtor:

- Michael Clayton (2007)

- Assalto e Intromissão (2006)

- Heaven - Por Amor (2002)

- O Talentoso Mr. Ripley (1999)

- Sensibilidade e Bom Senso (1995)

- Os Fabulosos Irmãos Baker (1989)

- Viver de Novo (1991)

Alguns títulos de Pollack enquanto actor:

- Michael Clayton (2007)

- A Intérprete (2005)

- De Olhos Bem Fechados (1999)

- Maridos e Mulheres (1992)

- O Jogador (1992)

- Tootsie (1982)

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull - Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (2008)

2008-05-23T08:06:00.000-07:00

No ano de 1957, em plena Guerra Fria, Indiana Jones volta ao hábito. Desta feita, o destemido arqueólogo e erudito professor universitário envolve-se em confrontos com temíveis agentes soviéticos (liderados pela tirânica Irina Spalko) enquanto busca a Caveira de Cristal de Akator, um objecto arqueológico muito apetecível. Ao lado do Dr. Jones encontram-se Mutt Williams(um jovem rebelde que mescla Elvis Priesley e o Marlon Brando de The Wild One) e a regressada Marion Ravenwood, que irão partilhar com o famoso arqueólogo uma aventura recheada de perigo, imprevisibilidade e acção.

Primeiro aspecto a ressalvar: nunca fiz nem nunca farei parte da franja de detractores de Steven Spielberg, que vilipendia (de forma muito injusta, a meu ver) o realizador pela sua nobre capacidade de criar obras de qualidade eminentemente populares. Segundo aspecto a ressalvar: a verdade é que os espectaculares resultados conseguidos por Spielberg com os três primeiros filmes da saga Indiana Jones (que energicamente revitalizaram o género de aventuras e estabeleceram a iconografia de um herói carismático) não se repetem neste novo tomo, que desilude em toda a linha. Vejamos: o argumento padece de uma fraca exploração, o conceito de ameaça foi por água abaixo, muitas cenas roçam involuntariamente o ridículo e algum do realismo presente nas sequências de acção de outrora é substituído pelo CGI mais desalmado destes dias do nosso descontentamento. Fica a triste confirmação: nem sempre é saudável ressuscitar um imaginário que já foi convenientemente aprofundado.

Tão mau quanto isso é o confirmar que as vozes que se levantaram acusando o filme de seguir uma estrutura de jogo de computador estão mesmo correctas. Mais do que obedecer a uma linguagem estritamente cinematográfica, Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull parece esforçar-se no sentido de assegurar que possui o potencial necessário para vingar na posterior rentabilização no mercado de videojogos. Dito de outro modo: esta nova realização de Spielberg usa e abusa dos efeitos especiais em longas cenas que muito devem à estética desse universo lúdico, soando tudo demasiado a falso e a mera desculpa para desbravar novos territórios assim que o filme sair de exibição. Esta decisão é por tudo lamentável, tanto mais que a aura clássica e artesanal da saga não se conjuga com a artificialidade das imagens geradas pelas tecnologias dominantes. Este fogo de artifício digital corrompe na íntegra a essência das aventuras do lendário herói e tristemente aproxima o filme de um desses produtos rotineiros que quase todas as semanas advêm de um qualquer estúdio de Hollywood.

No campo das interpretações, o saldo também não é lá muito estimulante: apenas Harrison Ford (que volta a incarnar o Dr. Jones com a energia que lhe é reconhecida) e Shia LaBeouf se encontram a alto nível, num confronto geracional bem pensado. Karen Allen regressa mas não consegue recuperar a garra da prestação que deu no filme original; Ray Winstone é subaproveitado e John Hurt e Cate Blanchett são confrangedores. Especialmente a última, que compõe uma vilã pífia, infestada de maneirismos e possuidora de um corte de cabelo e fato mais ameaçadores que ela própria. Esta é a pior interpretação da actriz australiana, dona de uma carreira praticamente imaculada.

Apesar de num ou noutro momento mais entusiasmante surgirem as inevitáveis referências que apelam à nossa eterna cumplicidade, o facto é que este Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull se resume a um mau trabalho de revisitação, conduzido de forma indiferente por um Spielberg confuso em relação à arte do storytelling que sempre dominou com enlevada mestria.

Classificação: 1,5/5

Reservation Road - Traídos Pelo Destino (2007)

2008-05-21T04:28:00.000-07:00

Encontro Acidental

Que tremenda decepção... Reservation Road era um dos títulos pelos quais nutria expectativas bastante elevadas. Afinal, este era o filme que tinha tudo para triunfar em absoluto: para além de adaptar o romance de John Burnham Schwartz (que participou na escrita do argumento), tinha ao seu inteiro dispor o talento de Terry George (o realizador do muito bom Hotel Rwanda) e um daqueles elencos formados no brilho do céu (Joaquin Phoenix, Jennifer Connelly, Mark Ruffalo e Mira Sorvino). Com um grau de potencial tão vasto, é estranho (para não dizer frustrante...) que o produto final seja tão insosso, banal e olvidável.

Reservation Road apresenta-se como uma tragédia familiar sobre a perda, a culpa e a complexidade da paternidade. Após um recital ao ar livre numa tarde de Verão, Ethan Learner (um professor universitário) e a sua mulher Grace dirigem-se para casa na companhia dos seus dois filhos. Ao pararem numa bomba de gasolina em Reservation Road, o pesadelo instala-se: o filho do casal é atropelado mortalmente e o culpado, numa decisão instintiva, abandona o local a alta velocidade. Consumido pela dor e pela ineficácia das forças policiais, Ethan conduz a sua própria investigação, que o poderá levar ao responsável pela morte do seu filho.

Infelizmente, nada aqui é novo. A história até arranca bem, mas cedo se percebe que as grandes questões da premissa serão exploradas de forma muito corriqueira, nunca se vislumbrando uma brisa de tentativa de originalidade. Já vimos este resultado múltiplas vezes, muitas delas até em telefilmes de qualidade duvidosa que passam a horas indecentes. O filme contém muitas cenas implausíveis e algumas coincidências no argumento soam a falso, porque facilitam demasiado os acontecimentos dramáticos. Não tenho nada contra a ocorrência de coincidências, desde que estas beneficiem a progressão da narrativa para resoluções estimulantes. Mas de facto isto não se verifica em Reservation Road.

Onde o filme bate mesmo no fundo é na sua misoginia irritante. As personagens de Connelly e Sorvino são inacreditavelmente preteridas em relação aos seus parceiros masculinos e assim sendo as actrizes têm pouco espaço para desenvolver as suas composições (especialmente Sorvino, uma das actrizes mais brilhantes de Hollywood que não tem aqui nenhum tempo de antena). Lá para o final, a intromissão do tom de thriller surge algo deslocada, porque não bate certo com os passos melodramáticos dados logo ao início. Enfim, um filme desolador e insípido com um elenco de excepção.

Classificação: 1,5/5

Blue Velvet - Veludo Azul (1986)

2008-05-20T09:59:00.000-07:00

Pecados Íntimos

Jeffrey Beaumont regressa à sua idílica cidade natal para visitar o pai, que se encontra num deplorável estado de saúde. Ao passar num terreno baldio, Jeffrey dá de caras com uma orelha humana ali atirada. Curioso, o jovem decide atiçar o perigo ao atirar-se à sua própria investigação, aliciando a sua inocente namorada para essa jogada. O que se vem a descobrir é um submundo de perversão, crime e violência encabeçado por um toxicodependente sádico e psicótico e pela perturbada cantora de bar cuja existência ele teima em infernizar. Por detrás da beleza atractiva e aconchegante daquela pacífica terreola esconde-se um mal que vai corroendo sem piedade...

Blue Velvet foi o filme de David Lynch que mais gente irritou (críticos e públicos, venha o Diabo e escolha...), uma vez que o realizador expôs, sem quaisquer tabus, a hipocrisia do way of life das pequenas comunidades do interior norte-americano, que sob o véu da suposta moral imaculada e da perfeição quotidiana se recusa a confirmar a existência dos seus próprios demónios interiores. A mordaz abertura do filme é de um valor simbólico que não deixa margem para dúvidas: as casas impecavelmente cuidadas, os jardins bem regados e uma paz solarenga convidam à contemplação mas encobrem uma força maligna não perceptível, que destrói as bases dessa ilusão bem engendrada.

Tendo por base uma parábola lôbrega sobre o inglório esforço de erradicação do Mal, Lynch revitaliza aqui o arquétipo do filme noir, que tão boas colheitas forneceu na época dourada de Hollywood. Mas é claro que o realizador não se esquece de conferir o seu cunho pessoal, e assim reveste Blue Velvet com camadas de sátira lancinante, decadência física e moral e perversidade ultra-chocante. Por vezes o visionamento torna-se quase impossível, tal o tempero maquiavélico a que a personagem de Isabella Rossellini está sujeita. A interpretação da actriz é quase um acto divino de total despojamento, que oscila entre o terror do Inferno e a catarse do Céu.

Pode-se dizer que o filme de 1986 foi a fonte de inspiração para séries como Twin Peaks (uma criação do próprio David Lynch em parceria com Mark Frost), Desperate Housewives e Weeds e para obras cinematográficas como Little Children, Happiness e American Beauty. O realizador viria a suavizar a imagem do interior do país com essa obra-prima de 1999 de seu nome The Straight Story, com Richard Farnsworth e Sissy Spacek.

Classificação: 4/5

Lars and the Real Girl - Lars e o Verdadeiro Amor (2007)

2008-05-15T07:32:00.000-07:00

A Intrusa Adorável

Uma bizarria com um grande coração, é assim que apetece definir esta surpreendente comédia dramática de Craig Gillespie! O filme indie que poderia muito bem ter resvalado para o terreno fatal da one long joke revela-se, afinal, um conto honesto sobre a tristeza da solidão e a luminosidade do optimismo. Quanto a mim, estamos perante uma das obras do ano, capaz de agradar quer a um público alternativo, quer a um público comercial...

No centro da história está Lars Lindstrom, um jovem com graves dificuldades de interacção social e hiper-sensível a um simples toque. Preso no seu próprio mundo, Lars chega à conclusão que necessita de uma reviravolta urgente. Assim sendo, não perde mais tempo e decide comprar uma sex doll via Internet, apresentando-a logo de seguida a familiares e amigos como sendo a sua namorada Bianca. De início, a perplexidade instala-se na pequena comunidade onde Lars reside, mas rapidamente os habitantes decidem abraçar aquela peculiar intrusa, integrando-a nas diversas áreas do seu quotidiano e percepcionando-a como humana.

Garanto que não há espaço para dúvidas: o mau gosto não mora aqui, o humor é acertadamente subtil e quanto a histrionismos, nem vê-los. Existe um equilíbrio notável entre as doses de comédia e de drama, convenientemente suportado por um conjunto de interpretações que se encontram em perfeita consonância com os objectivos do filme. Ryan Gosling, o actor nomeado para o Óscar com Half Nelson, é excelente na criação de um Lars avesso a maneirismos que o pudessem rotular de louco ou pervertido. A sinceridade da sua composição chega a ser comovente, fazendo com que se simpatize de imediato com Lars. Gosling demonstra, uma vez mais, que domina o underacting em todo o seu esplendor.

O registo límpido da realização conjuga-se com a simplicidade do todo e a banda-sonora em tom quirky assenta que nem uma luva na peculiaridade do argumento. Bem vistas as coisas, é possível trilhar um campo repleto de minas e alcançar uma gloriosa meta de sensibilidade!

Classificação: 4,5/5

Red Eye (2005)

2008-05-13T04:18:00.000-07:00

Pânico a Bordo

Confesso desde já que sou fã de Wes Craven. A admiração que nutro pelo trabalho do cineasta começou com essa obra-prima do terror chamada A Nightmare On Elm Street, o filme low- budget de 1984 que deu a conhecer ao Mundo um dos horror monsters por excelência (o terrível Freddy Krueger) e que meteu os nervos de muito boa gente em estado de alvoroço. Desde que entrei em contacto com o seu universo hermético (isto ainda em miúdo) que acompanho as suas pegadas, embora actualmente o fulgor criativo de Craven não esteja tão emproado como outrora. Ainda assim, convém relembrar que o realizador foi responsável pela inteligente reinvenção do filme slasher na década de 90, com a saga Scream. Aí, Craven divertiu-se a satirizar e a desconstruir as convenções de um género que ele próprio propagou, numa caldeirada cinematográfica que englobava genialmente o thriller, a comédia negra e o suspense.

Depois de um miserável Cursed, chegou-nos em 2005 Red Eye, um thriller de raízes hitchcockianas que se assemelha a um qualquer mito urbano oriundo do folclore norte-americano. Temos então Lisa Reisert, uma gerente de hotel que não lida muito bem com viagens aéreas. Enquanto espera pelo seu voo nocturno para Miami, Lisa confraterniza com um simpático passageiro, Jack Ripper, que vem a partilhar um lugar junto a ela no avião. O que começa como um simples flirt de aeroporto torna-se num pesadelo claustrofóbico quando, em plena viagem, Jack lhe diz que é um assassino contratado. E mais: Lisa terá de desempenhar um papel activo na sua mais recente missão, caso contrário o pai da jovem será eliminado!

Red Eye, mesmo contando com um argumento simplista e longe de ser um filme magnífico, arranca muito bem. As primeiras imagens remetem para o imaginário da comédia romântica light, mas rapidamente se percebe que as regras do jogo cedo se irão inverter. Assim que as personagens entram no avião, começa o jogo do gato e do rato, do predador e da presa, em que o thriller elimina sem perdão o romance incipiente. A asfixia devido à tensão da situação e ao minimalismo do cenário dramático é quase palpável e permite um empolar do confronto psicológico entre Jack e Lisa, o que é fascinante. A acção torna-se ainda mais sufocante para o espectador pelo facto de nenhum outro passageiro estar ciente do que se está ali a passar naquele espaço exíguo. Assim, somos como que um peão impotente que assiste a tudo de forma incrédula (somos manipulados e designados cúmplices à boa maneira do mestre Hitchcock).

Este segmento da narrativa, que corresponde à viagem de avião, está maravilhosamente arquitectado, se bem que esteja mais próximo do modelo de thriller do que de terror. A belíssima Rachel McAdams, uma das promessas do novo cinema made in USA, surpreende ao elaborar uma interpretação engenhosa, dinâmica e cheia de nuances, com uma qualidade rara para os filmes deste género. A actriz integra na perfeição o cinema de Craven, que sempre se gabou de privilegiar a destreza feminina em contextos de pura ameaça. O seu companheiro de cena, Cillian Murphy (com uma estrutura facial rigída e olhos demoníacos que impõem respeito) compõe um vilão insinuante com uma carga de inusitada elegância. O duelo incendiário entre os dois, que resulta numa química intensa, será certamente um dos maiores atractivos de todo este projecto, que só dá um passo em falso já na resolução final.

Pois é, quando a acção se transfere do avião para o cenário de Miami, Craven perde o fôlego que tão bem vinha a sustentar e cai nesse erro de facilitismo que é introduzir uma sequência banal de slasher movie de série B. Essa parte final destoa num tecido narrativo que estava a ser tão brilhantemente fabricado, mas ainda assim não é nociva o suficiente para destruir o impacto desta montanha-russa de emoções. Perdão, avião de emoções!

Classificação: 3/5

Donnie Darko (2001)

2008-05-12T04:27:00.000-07:00

O Fabuloso Destino de Donnie Darko

Quase não dá para acreditar que Richard Kelly, na altura com apenas 26 anos, tenha conseguido criar nesta sua primeira experiência enquanto argumentista e realizador de longas-metragens uma obra onírica desta envergadura. Naturalmente influenciado pela mente transgressora de David Lynch, Kelly consegue a proeza de ultrapassar qualquer barreira de academismo e de nunca reduzir o seu trabalho a um objecto de mero copismo exacerbado. Pelo contrário: o jovem realizador manobra com enlevada astúcia e objectividade um argumento complexo e veicula em todo o projecto a sua voz pessoal, o que lhe granjeou de imediato o respeito, um pouco por todo o Mundo, dos apreciadores de fenómenos de culto (e este é um dos títulos que melhor se identifica com esse cunho).

Filme-farol de profundeza anímica para todos os adolescentes pensantes que se recusam a diminuir aos padrões moralistas que a televisão promove de forma tão pueril, Donnie Darko foi também uma aposta por parte de Drew Barrymore, que para além de entrar como actriz, investiu na produção deste indie. Donnie Darko escalpeliza o percurso assombroso de um jovem esquizofrénico paranóico que é assaltado pela presença de um assustador coelho gigante chamado Frank, que lhe profere mensagens de índole apocalíptica. Perdido no seu próprio caos mental, Donnie tem de equacionar essa informação perturbadora com o irromper do conceito de viagem no tempo e com os destinos daqueles que mais ama.

Explicar detalhadamente a narrativa seria criminoso, tanto mais que esse exercício está interligado com uma interpretação pessoal activa. Kelly não receia a diversidade de géneros que convoca (e mostra ter unhas para tocar guitarras tão eclécticas, já que faz resplandecer o drama, a ficção-científica, a comédia, o melodrama e o thriller de forma excelsa) e filma a sua história com uma mestria tal que consegue invocar a essência dos anos 80 com a maior das facilidades. Repito: o realizador invoca literalmente essa década, não se fica apenas por um retrato mais ou menos superficial. Assim, chegam até nós os sons, as ambiências, o way of thinking e o estilo que caracterizaram esse tempo já longínquo. Até apetece dizer que Donnie Darko, pelo seu look retro, parece um filme saído directamente dos late 80's.

Bizarro e triste, este argumento com lampejos surreais vai dando conta da caminhada lírica deste teen-mártir, brilhantemente desempenhado por Jake Gyllenhaal (um dos jovens actores norte-americanos que melhor combina talento com faro artístico). O seu Donnie vai, afinal, construindo laços afectivos com aqueles com quem se cruza, marcando indelevelmente o rumo/espírito dessas pessoas, ao mesmo tempo que desmascara a hipocrisia e o marasmo reinantes no espaço social onde se move. O actor compõe a personagem com um perfeito manancial de sentimentos e com uma precisão fabulosa, pois consegue gerir bem a melancolia e a vibração interior da sua personagem (sem nunca cair naquele erro confrangedor chamado "boneco").

Inacreditável é o facto de um filme com um orçamento limitado conter cenas com efeitos especiais tão credíveis, que não só não prejudicam o todo como conferem uma sensação de estranheza arty. No plano sonoro, estamos também muito bem servidos com as presenças carismáticas de Echo & The Bunnymen, Duran Duran e Joy Division, só para citar alguns. A música, para além da sua função de desenvolvimento narrativo, ajuda a estabelecer a mood correcta nas cenas em que está presente. O grande totem neste campo é sem dúvida a fantasmagórica cover de Mad World (dos Tears For Fears), que Gary Jules levou a bom porto. A letra funciona como uma extensão dos pensamentos soturnos de Donnie. Contemplativo, depressivo e fascinante!

Classificação: 4/5

The Beach - A Praia (1999)

2008-05-09T14:38:00.000-07:00

Às Portas do Paraíso

Richard é um aventureiro por natureza, que pretende passar um tempo de qualidade na Tailândia. Este backpacker americano, cuja filosofia de vida se orienta pelo hedonismo e pela exploração, dá de caras com um lunático toxicodependente que lhe disserta sobre uma praia paradisíaca ainda no segredo dos deuses. Quando o mapa desse local idílico chega às mãos de Richard, este decide convencer um simpático casal de franceses a embarcar numa viagem de exploração com ele. Munidos de poucos bens materiais, os três jovens atiram-se à aventura e descobrem a estância balnear dos seus sonhos, onde uma comunidade peace and love auto-suficiente reside em condições muito rudimentares, mas também aparentemente harmoniosas. Acontece que o Paraíso não tarda a apresentar o outro lado da moeda, e Richard e os amigos cedo chegam à conclusão que aquela perfeição geográfica apresenta máculas internas muito perigosas.

The Beach é uma adaptação do livro de culto de Alex Garland, e foi uma aposta pessoal de Leonardo DiCaprio no período pós-Titanic. Atrás das câmaras esteve Danny Boyle, o homem que assinou um dos títulos mais emblemáticos dos anos 90: Trainspotting. A produção de The Beach esteve envolta em polémica desde o início: o trabalho da equipa de filmagens levou a que se efectuassem algumas alterações estruturais nos locais onde o filme foi rodado e simultaneamente ergueram-se as vozes de alguns detractores que afirmavam que este seria um projecto de vaidade por parte de DiCaprio, como forma de inverter a imagem romântica amplamente disseminada por Titanic.

Polémicas à parte, ainda estou para compreender o porquê de tanto asco em relação ao filme, quer por parte do público, quer por parte da crítica especializada. É verdade que há aqui algumas falhas, sobretudo ao nível da estrutura formal, que deveria ter sido equacionada com maior seriedade e evitado algumas ressonâncias pop mais corriqueiras. Mas fora isto, e sem ser transcendente, o saldo de The Beach é francamente positivo. Trata-se de um objecto de cinema muito estimável, bem filmado e que apela ao espírito traveller adormecido dentro de cada um de nós. Não é, de todo, o desastre que muitos dizem. Muito menos corroboro a teoria de que se trata de um festim exótico de DiCaprio para validar a sua amplitude dramática (quando na verdade ele é alguém que dispõe de um leque com as mais variadas emoções, senhor de um imenso talento injustamente prejudicado pelo fenómeno Leomania que tardou em se desvanecer).

Enfim, voltemos ao essencial: The Beach é, contas feitas, uma elucubração desencantada sobre a eterna utopia do retorno a um estado natural, alheio a quaisquer restrições das sociedades civis e supostamente longe da perversidade do Mal. Explora-se aqui, com acuidade, o ideal de paraíso que acaba por ser conspurcado pela mão humana, o que conduz inevitavelmente à perda da inocência (e liberdade) daquela realidade tão alternativa. Até esse ponto, o filme é uma parábola vertiginosa sobre o Homem a imiscuir-se na natureza, com o risco acrescido dessa entrega poder conduzir a mente a níveis quase dantescos, tal é o desnorte causado pela perda de coordenadas emocionais e sociais. Exemplo disto é a condição alucinada e alienada de Richard aquando da sua marginalização: nessa altura dá-se um choque entre o universo selvagem da ilha e as influências culturais das sociedades modernas. Esse duelo titânico entre forças distintas converte então Richard numa espécie de action-figure computadorizada e a ilha num espaço virtual, naquela que será porventura uma das cenas mais fabulosas do filme.

Em nota de desabafo: sempre achei curioso o valor simbólico do período em que The Beach foi produzido. Afinal, estávamos prestes a abraçar todas as possibilidades de um novo milénio, mas o imaginário dessa era de apoteose das novas tecnologias teimava em dominar o pensamento de todos aqueles que privilegiavam um estilo de vida mais simples e o mais perto possível do natural. Intencionalmente ou não, o filme acabou por reflectir essa preocupação mais ou menos generalizada...

Classificação: 3,5/5

Bewitched - Casei com uma Feiticeira (2005)

2008-05-08T01:56:00.000-07:00

Truques Esgotados

Nos anos 90, Nora Ephron voou a grande altura com as suas comédias românticas desempoeiradas e francamente deliciosas que muito deviam ao génio urbano-neurótico de Woody Allen. Meg Ryan era então a protagonista dessas películas (que lhe deram a oportunidade de cimentar a sua posição de namoradinha da América), enquanto Ephron geria com savoir-faire a sua condição de argumentista e realizadora de filmes lucrativos de grande estúdio. Mas a magia não está sempre ao nosso lado, e este Bewitched é a confirmação total de que as fórmulas hollywoodescas mais estafadas nem sempre resultam em filmes apelativos.

Bewitched, recorde-se, foi uma série exibida nos EUA na década de 60, na altura carinhosamente acolhida pelo público e desde então estabelecida como uma das referências mais queridas do gigantesco imaginário propagado pela televisão norte-americana. A sitcom era simples, mas doce e apelativa: uma feiticeira casada com um homem normal utilizava os seus poderes mágicos para resolver as mais diversas situações do quotidiano. O filme de Ephron pega nesse conceito e confere-lhe uma roupagem nova, actualizando-o para os dias de hoje.

O argumento gira em torno de Isabel, uma bela e afável feiticeira que se encontra entediada com a sua condição muito particular. Como quer experienciar as vicissitudes de uma vida dita normal (amor incluído), Isabel propõe-se a renegar o seu dom. Nesta altura tão crucial da sua vida ela conhece Jack Wyatt, um actor desesperado por alcançar o sucesso com a sua participação numa nova versão da série Bewitched. Como Isabel consegue imitar na perfeição o "abanar do nariz" popularizado pelo programa, acaba por ser escolhida para contracenar com Jack.

Este até poderia ter sido um daqueles projectos simpáticos, não fosse a atitude de Ephron em querer cumprir a rigor a sua agenda papal do "agradar a gregos e troianos". Esta decisão é logo à partida um mau indício, porque se percebe que aqui não vai haver a mínima vontade de arriscar. Com tanta precaução, Bewitched esbarra de imediato nas suas próprias intenções: não é uma sátira corrosiva aos bastidores do entretenimento de Hollywood, tal como não é uma comédia hilariante sobre a nostalgia da televisão. Como o filme nunca se decide sobre o que quer ser, acaba por naufragar e ir parar a uma terra de nenhures, onde o desinteresse assenta arraiais (o que se assemelha, basicamente, à morte do artista).

Para além de ser insípida e entediante, a fita sofre ainda de uma inocência quase pueril, que certamente não agradará aos públicos ávidos de alguma irreverência temática. O par principal (Nicole Kidman e Will Ferrell) bem tenta dar algum pizzaz às suas personagens, mas estão abandonados à sua própria sorte por força de uma narrativa inconsequente e sem chama. Mesmo a química entre Kidman e Ferrell, certamente o núcleo do filme, não resulta minimamente. Colorido e leve como uma pluma, Bewitched não traz nada de novo ao formato das comédias românticas e nem sequer deixa na memória um ou outro par de cenas mais conseguidas. Esta Nora Ephron tarefeira não conseguiu convencer ninguém...

Classificação: 1/5

A (Re)Descobrir...

2008-05-07T00:29:00.000-07:00

The Last Supper - A Última Ceia II (1995): Este filme de Stacy Title é uma iguaria indie de alto gabarito para os apreciadores de humor negro inteligente, polvilhada de uma ponta à outra com pitadinhas de sarcasmo e ironia. Esta é a história de cinco amigos, todos alunos universitários, que partilham uma residência. Certo dia, um deles convida para jantar o desconhecido que lhe dera boleia. À mesa, o grupo de estudantes e o convidado de honra começam a trocar algumas impressões, que cedo culminam numa explosiva guerra de ideais. Resultado: a confrontação física intervém e o convidado acaba morto. A partir daí, aqueles cinco jovens idealistas e liberais decidem organizar jantares com o objectivo de eliminar os defensores de teorias políticas e sociais que eles considerem erradas... O título português contém um apêndice numérico que dá a ideia de que se trata de uma sequela. Errado, é apenas uma nota sarcástica (este filme é a Última Ceia 2 porque a Última Ceia original foi a de Cristo - ahahah!). Um fabuloso conto (a)moral que pode ser visto hoje, no canal Hollywood, às 19h30.

TOP Trilogia Running Man

2008-05-06T22:47:00.000-07:00

1) Artificial Intelligence: AI - Inteligência Artificial

2) Catch Me If You Can - Apanha-me Se Puderes

3) Minority Report - Relatório Minoritário

Holy Smoke - Fumo Sagrado (1999)

2008-05-05T01:45:00.000-07:00

Não há Fumo sem Fogo...

Numa viagem de descoberta existencial pela Índia, Ruth (uma jovem de origem australiana) acaba por integrar uma seita religiosa new age comandada por um influente guru. Preocupados com a nova situação da filha, os pais decidem contratar os serviços de um carismático desprogramador de vítimas de seita, que incorpora na sua bagagem intelectual uma curiosa teoria dos três passos. Quando a família consegue convencer a rapariga a regressar temporariamente ao seio do lar, o desprogramador entra em acção, pronto a recuperar-lhe a essência original. A reunião no deserto entre este homem e esta mulher desagua num duelo de personalidades vincadas e numa luta de afirmação sexual quase selvagem.

Holy Smoke, escrito por Jane Campion (que acumula aqui a função de realizadora) e pela sua irmã Anne, vem no seguimento do sucesso estrondoso de The Piano e do também interessante Portrait of a Lady. Campion tenta mais uma vez impor uma das suas marcas autorais por excelência, ou seja, a verticalidade do feminino perante a presença desafiadora (ou insinuante) do masculino. Holy Smoke, não sendo grande espingarda enquanto filme, acaba por ser o projecto da realizadora onde essa característica mais se percepciona. Este facto ganha maior credibilidade se atentarmos no tom do filme, que dembula sempre num registo de crónica neo-feminista de contornos eróticos, onde a confrontação acérrima dos sexos encontra uma plataforma muito estável. No limite, Holy Smoke funciona como um estudo sobre o desarmamento sexual, onde cada sexo se tenta insurgir da forma mais impositiva possível, seja com o recurso à expressão corporal ou verbal.

Infelizmente, esta fábula contemporânea não está isenta de lacunas. O ritmo que nem sempre se rege pela fluidez e que perde um pouco o pulso da narrativa, dando azo à intervenção não muito simpática da letargia. O leque de personagens secundárias também não funciona por aí além, porque se por um lado acentua a faceta exótica da fita, por outro não é verdadeiramente importante para o desenvolvimento da história. Ainda assim, moram aqui méritos que são inegáveis, até porque no cômputo geral Holy Smoke é provocador o suficiente para colocar em cena as políticas sexuais que inauguraram o novo milénio (recordo que o filme foi produzido em 1999).

No plano das composições dramáticas do par principal é que reside o fascínio desta empreitada: Harvey Keitel e Kate Winslet são simplesmente gigantescos, devorando o ecrã e os seus papéis como poucos. Estes intérpretes de força telúrica impedem constantemente que o filme caia pela ribanceira abaixo e se desmorone em múltiplas peças. A coesão das suas performances é o núcleo que agrega tudo o que resto, permitindo que as mensagens do argumento sejam perpetuadas de forma estimulante. É verdade que o filme é mais odiado que amado (há quem o acuse de ser pretensioso) e dificilmente será alvo de reavalição crítica num futuro próximo, mas merece alguma consideração pela sua coragem. É que, embora não seja muito bom, não deixa de ser interessante.

Classificação: 3/5

Miami Vice (2006)

2008-05-03T07:27:00.000-07:00

Os Vícios da Noite

Miami Vice é a adaptação cinematográfica da famosa série homónima dos anos 80, em que uma dupla de agentes de um departamento de crime organizado se movia no sentido de capturar os mais diversos criminosos. Tudo sem esquecer a influência dos ambientes e tendências da altura. Michael Mann, o maestro por detrás de filmes como Heat e Collateral, foi o responsável pela realização do filme, numa decisão que provocou alguma surpresa. De facto, quais terão sido as motivações que levaram um realizador talentoso a actualizar em película um produto que marcou um tempo muito específico? Será que Miami Vice conseguiria equilibrar-se qualitativamente num meio audiovisual tão diferente daquele onde alcançou as suas glórias? Se a resposta à primeira pergunta continua indecifrável, já a segunda está mais que descodificada. O resultado é um falhanço artístico de proporções colossais, que destoa por completo na cinematografia do realizador.

O argumento centra-se numa missão de identificação de um grupo de criminosos, em que se inclui uma elaborada estratégia de transporte de carregamentos de droga. Ricardo Tubbs e Sonny Crockett são, como não podia deixar de ser, os polícias destacados para deslindar as arestas deste mapa de corrupção internacional. Enquanto Crockett se deixa aos poucos enfeitiçar por Isabella (a enigmática mulher de um traficante de armas e droga), Tubbs vê a sua vida pessoal misturar-se com os enleios da sua arena profissional.

É mais que sabido que Michael Mann é um sofisticadíssimo artesão das luzes e dos seus múltiplos contrastes, num jogo que se desenvolve essencialmente na intimidade da noite e onde a captação da dimensão trágica das personagens é um dado adquirido. Ele é um visionário que sabe filmar as facetas da acção como poucos, porque nunca se esquece da importância da inclusão de uma vertente afectiva/emocional nesses domínios (é essa conjugação da acção com a emoção que, em última instância, prende a atenção do espectador) . Notório é também o esforço de revitalização do género policial (que anda um pouco moribundo nestes dias) através do recurso às mais recentes tecnologias de gravação de imagem. Esta opção pelo digital permite que o filme apresente uma componente vertiginosa de quase-reportagem, alargando-se assim os horizontes no que diz respeito ao desenvolvimento da estrutura formal.

Pena é que este nível de idoneidade não se verifique no campo da narrativa. Miami Vice apresenta resoluções muito estafadas (aquela cena de emboscada que engloba uma entrega da pizza então é completamente para esquecer), para além de propagar os estereótipos mais prosaicos neste tipo de intriga. Alguns pontos de interesse são fundidos com tantos outros onde a monotonia se instala e onde o aborrecimento encontra um aconchego. Depois, a questão da química entre a dupla de polícias falha por competo: eles estão lá mas não se sente nenhuma ligação particularmente estimulante, o que é fatal para os propósitos do filme. Ainda para mais, a personagem de Jamie Foxx - o agente Ricardo Tubbs - é tão marginalizada que chega a meter dó. O grande, grande trunfo do filme encontra-se mesmo na beleza da teia amorosa que envolve Colin Farrell e Gong Li. Essa relação condenada ferve de tanto lirismo e é a personificação de um desejo quase proibido e desencantado. Desejo esse que se desenvolve com a cumplicidade de uma banda-sonora carismática...

Infeliz constatação: este é mais um objecto inconsequente, um daqueles tristes exemplos em que a forma se sobrepõe claramente ao conteúdo. Pode ser uma obra muito cool, capaz de agradar a diferentes tipos de público, mas não deixa ser banal. Que este desastre tenha ocorrido numa carreira tão límpida quanto a de Michael Mann, eis a maior das surpresas!

Classificação: 1,5/5

Summer Of Sam - Verão Escaldante (1999)

2008-05-02T02:44:00.000-07:00

Os Pecados Moram ao Lado

Spike Lee tem-se afirmado ao longo da sua carreira como um dos realizadores mais preocupados em integrar as especificidades da cultura americana nas temáticas dos filmes que desenvolve. Sempre atento às mutações da sociedade contemporânea (e dos seus múltiplos intervenientes), Lee tem conseguido criar obras de inegável apelo que extravasam os limites do seu país de origem e que permitem a outras nacionalidades edificar uma noção consistente do tecido social e cultural norte-americano dos últimos tempos. Dito de outro modo: o que o realizador nos dá é toda a complexidade de um jogo dramático em que se propõe que sejamos nós a tirar as devidas ilações. Filmes como Do The Right Thing, 25th Hour, She Hate Me e Girl 6 demonstram essa capacidade inata, revelam o interesse de Spike Lee em captar as convulsões perturbadoras do presente (tendo sempre em linha de conta a sua peculiar veia artística) e mostram ainda que é possível exalar subtileza em temas tão controversos.

Summer Of Sam tem sido, desde o seu lançamento, vítima de alguma indiferença por parte de público e crítica, uma vez que é preterido em relação a outros títulos mais mediáticos da cinematografia de Lee. Curiosa contradição: o mais marginalizado é muito provavelmente um dos melhores (senão o melhor) títulos da carreira do cineasta. Escrito em parceria com Michael Imperioli (um dos protagonistas da série Sopranos) e Victor Colicchio, o filme estreou-se nos EUA em 1999; cá teve honras de exibição em 2000, o que dá vontade de dizer a alto e bom som que se trata de uma das obras-charneira desta década!

O filme passa-se em Nova Iorque, nos idos de 77, durante uma sufocante vaga de calor: um temível serial-killer, auto-intitulado Son Of Sam, diverte-se a apavorar a comunidade local, tudo devido à sua peculiar fixação em assassinar mulheres morenas em espaço público. Perante esta ameaça aterradora, os habitantes do bairro começam a escrutinar as vidas alheias, em busca de indícios que possam conduzir à captura do perturbado homem. Entre esses moradores com os nervos à flor da pele encontram-se Vinnie (um cabeleireiro egocêntrico com tendência para espetar muitas facadinhas no casamento), Donna (a mulher de Vinnie que o ama incondicionalmente e que está assim disposta a virar os olhos às inúmeras traições) e ainda Richie (um grande amigo de Vinnie e um verdadeiro alienígena naquele bairro, cuja personalidade atípica choca com os valores reinantes). Até se chegar à identidade do agressor, o Bronx será o mais explosivo palco de traições, crimes e injustiças.

Apoiado num argumento envolvente e numa cadência frenética, Summer Of Sam é um mosaico social, cultural e psicológico de índole explosiva, que reinventa com grande dose de inteligência o mito de Caim e Abel. O filme é, no limite, um genuíno bailado nocturno de corpos, desejos, inseguranças e medos, devidamente condimentado com os sons, sítios e tendências da época. Spike Lee volta a filmar as ruas, as suas leis intrínsecas e os seus peões como só ele sabe, destrinçando os labirintos de ambiguidades de forte carácter inebriante. Aliada a esta estratégia está uma outra peça fundamental que é o valor simbólico do calor: tal como em Do The Right Thing, esse factor é um dos agentes que despertam a fúria interior das personagens que parecia estar anestesiada. Até o próprio serial-killer assume uma função de gestor da narrativa, já que é ele que "incentiva" as outras personagens à acção e que se relega depois para um segundo plano.

Sem esquecer o look enérgico que se encontra muito próximo de alguns videoclips arty e que é característico do meio publicitário (onde a noção de vertigem está muito enraizada), Spike Lee faz ainda questão de realçar as capacidades performativas do seu soberbo trio de actores: o eterno secundário John Leguizamo brilha a alto nível, Mira Sorvino é um portento de sensualidade e entrega que gostaríamos de ver mais vezes no grande ecrã e Adrien Brody compõe uma espécie de martir que coloca em causa a moral perversa daquela era. Sem papas na língua, digo que este é um dos enormes filmes dos últimos anos, de um senhor da ubiquidade que é também um dos mais influentes retratistas urbanos dos dias que correm!

Classificação: 5/5

Grandes Trailers!

2008-04-30T01:51:00.000-07:00

Before Sunset - Antes do Anoitecer (2004): Para além de nos deixar a salivar pelo visionamento do filme, este belo trailer alimenta a vontade de rever a obra original. Uma sessão dupla é o recomendado!

Little Children - Pecados Íntimos (2006): O ritmo vertiginoso do trailer é um assombro e propõe a ideia de uma "colisão" iminente para aquelas personagens.

Adaptation - Inadaptado (2002): A música escolhida e a construção algo frenética do trailer estão de acordo com a deliciosa encruzilhada emocional presente no filme.

Funny Games U.S. - Brincadeiras Perigosas (2007)

2008-04-28T02:48:00.000-07:00

Instintos Fatais

Estranha sensação esta, a de revisitar as memórias, códigos e convulsões internas de um filme-farol imbuído de controvérsia, que marcou indelevelmente a década de 90. À partida, a ambição de Michael Haneke ( La Pianiste, Caché) em criar um remake shot-for-shot da sua própria fita de culto gerou alguns dissabores junto da comunidade cinéfila. Afinal, não seria um erro da parte do realizador querer repetir pormenorizadamente a abordagem a uma temática que já tinha sido escalpelizada de forma tão exímia, nos idos de 97? Será que corria o risco de cair num fatal exercício de modernização, boçalidade e redundância, daqueles que deixam máculas para toda uma carreira? Em abono da verdade, ambas as hipóteses poderiam ser perfeitamente validadas, tanto mais que ainda se tem em mente a péssima homenagem que Gus Van Sant prestou ao mestre do suspense Alfred Hitchcock em 1998, quando decidiu relançar (?) e actualizar (??) uma das suas obras-chave: Psycho. Mas neste caso específico, sabendo que no controlo encontrava-se Michael Haneke a reinventar Michael Haneke, as esperanças alcançaram novos horizontes e a promessa de uma obra de qualidade já se avistava ao longe.

E chega agora a confirmação plena! Funny Games é desde já um dos filmes maiores deste ano, uma certeza absoluta no que diz respeito ao talento sem fronteiras do realizador alemão e uma certificação da notável capacidade de se operar na perfeição sobre material já trabalhado (os resultados deviam ser sempre assim...). A premissa deste filme minimalista é lacónica: um casal e o seu filho menor dirigem-se para a pacata casa de férias, com o objectivo de aproveitar algum tempo de qualidade em ambiente familiar. Lá chegados, recebem de imediato a visita relâmpago de dois jovens aparentemente educados e respeitadores, cujas intenções não se conseguem vislumbrar ao certo. À medida que a interacção se vai desenrolando, os jovens começam-se a insinuar e a revelar a suas personalidades psicóticas, obrigando então a família a participar numa série de jogos maquiavélicos e doentios.

Com este projecto, Michael Haneke pega na sua agenda temática e faz questão de realçar novamente o modo como o medo e a violência são percepcionados nas sociedades contemporâneas (com uma pequena-grande ajuda por parte dos mass media), onde cada vez mais a realidade, a ficção e a componente de "fascínio culpado" se cruzam de forma indescritível. O realizador é um provocador por excelência, e parece não ter problemas com isso: basta entrar em contacto com a essência de alguns dos seus filmes para compreender isto rapidamente. Ele é alguém que formata as imagens de tal forma que pode dar a ver a mais cruel das perturbações íntimas com a maior das austeridades formais, criando um paradoxo arrepiante. Para lá desta forma de "trocadilho" visual, Haneke esforça-se sempre por manipular/seduzir/culpabilizar o espectador a seu bel-prazer, dando-lhe a certeza de que ele é um joguete nas suas mãos e incentivando-o a querer ver mais, para além dos limites auto-impostos. Assim, no seu cosmos particular, não só se colocam em cena as mais desconcertantes problemáticas da moral, como se impõe ainda à audiência um genuíno desafio à confrontação com os seus verdadeiros desejos.

Contando com um elenco, no mínimo, visceral (Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt e Brady Corbet são assombrosos), o cineasta alemão consegue demonstrar que mesmo em modo auto-copista é capaz de atingir a magnificência cinematográfica. E de despertar os sentimentos brutais de outrora, que já se encontravam devidamente aplacados. Este seu esforço de transpor para a realidade americana o conteúdo chocante do filme original é de louvar, embora a recepção crítica não tenha sido de rasgados elogios. Mas também o que se pode esperar de um iconoclasta inconformado por natureza? Certamente que o consenso crítico não faz parte da lista.

Classificação: 5/5

I'm Not There - Não Estou Aí (2007)

2008-04-22T10:55:00.000-07:00

Os Fragmentos de Bob

Bob Dylan está aqui mas também não está. É o que apetece dizer depois de se estar em contacto com o mais recente projecto de Todd Haynes. De facto, Haynes confirma taxativamente que é alguém que não receia o lado experimental na sua peculiar cinematografia, e muito menos está disposto a deixar passar o comboio da originalidade. Transpor para um filme formalmente arriscado a personalidade complexa do músico Bob Dylan é como atirar um peixe para dentro de água: os 'conceitos' encaixam-se bem. Se ainda por cima tivermos em conta que para interpretar esta lenda viva do rock 'n' roll o realizador recorreu à ajuda de seis actores (entre eles uma mulher, fabulosa Cate Blanchett, e um jovem actor negro) o projecto assume ainda mais a sua condição bizarra. E a coisa resulta, se bem que não impressione por aí além...

I'm Not There (o título de um dos temas de Dylan) é a recriação da vida e obra do ícone, durante várias décadas e múltiplos estados de alma. Escalpeliza-se a aura mitológica, a atribulada intimidade da estrela, as suas origens e as nem sempre pacíficas relações com os media. Tudo com a cumplicidade vital desse pano de fundo que é a música (como não podia deixar de ser). Procurar aqui os traços típicos de um biopic é tarefa que não leva a bom porto, pois o filme aliena-se dessas estruturas convencionais e funde as diversas vinhetas como bem entende. Há avanços temporais, recuos bruscos e cabe aos espectadores a ingrata tarefa de juntar as peças do puzzle. O filme pede muita disponibilidade a quem o vê, para além do óbvio requisito de se conhecer minimamente o percurso artístico e pessoal da persona que aqui é retratada.

A alguns dos actores calhou-lhes na rifa mais sorte do que a outros, já que representam épocas que estão sobejamente consolidadas na memória popular. Cate Blanchett é quem mais se destaca não só por estar relacionada com este aspecto, mas por ter uma interpretação avassaladora e por ser... uma mulher! A actriz gere magistralmente bem a sua composição, sem se deixar influenciar pelas facilidades dos maneirismos. Quando ela surge no ecrã, acreditamos piamente que é Bob Dylan que ali está materializado. Esta opção de carreira poderia prejudicar-lhe caso o saldo não fosse muito estimulante, mas não há nada a temer: Blanchett não só dá conta do recado como também arranca a melhor performance do filme. Christian Bale e Heath Ledger (num dos seus últimos papéis) encontram-se também eles a voar a alto nível.

Se ao nível do cast e da organização formal o resultado prima pela excelência, já no que diz respeito à construção dramática as coisas não são tão brilhantes. O esforço por uma constante originalidade trai um pouco a essência apelativa do filme, já que, a espaços, o ritmo quebra-se e a atenção dispersa-se. Como já referi em cima, I'm Not There pede muita disponibilidade, e o factor 'duração' também não ajuda (são mais ou menos 2h15 de fita, com algumas partes dramaticamente redundantes, para ser sincero). No geral, o filme é prolixo, nunca dando a conhecer o verdadeiro Bob Dylan, apenas os seus traços de personalidade. Por isso mesmo, esta é uma daquelas fitas de construção individual, que será percepcionada de diversas formas pelos diferentes espectadores; cada visionamento será único e susceptível de alterar a opinião formada anteriormente. Está-se, portanto, numa interessante matriz de mutação que se correlaciona com a(s) faceta(s) do insondável artista...

Classificação: 3/5

American Psycho (2000)

2008-04-17T09:02:00.000-07:00

O Exterminador Implacável

Anos 80. Essa década marcada pela gestão de Reagan será para sempre recordada como o zénite do excesso, o cume do consumo desenfreado. Nesse período da moral corrompida movimentavam-se predadores como Patrick Bateman, a figura nuclear do livro de Bret Easton Ellis. A realizadora Mary Harron soube ver o potencial desse marco literário e decidiu pegar na controversa obra de culto, adaptando-a para o cinema no ano 2000. O resultado? Muito bom, embora em Portugal a coisa não tenha sido lá muito estimulante: o filme chegou bastante atrasado às salas e a recepção por parte do público marcou-se, mais ou menos, pela indiferença.

American Psycho é um thriller carregado de sarcasmo e humor negro, que se passeia pelo cosmos da alta sociedade nova-iorquina. É lá que encontramos Bateman, um bem sucedido yuppie de Wall Street, dono de uma vida aparentemente glamourosa. Nada é deixado ao acaso na existência do senhor: a casa é luxuosa, os fatos são da mais pura alta-costura, o acesso a restaurantes da moda é fundamental e o tratamento excessivo do corpo uma necessidade básica. Solitário e narcisista, Bateman entra em disputa com os seus colegas de trabalho para averiguar qual deles possui... o mais requintado cartão de contacto! Entre a sua namorada loura e oca (que desconhece o verdadeiro "eu" do seu mais que tudo) e a sua amante viciada em drogas, o jovem dedica-se a um "desporto" repleto de rituais muito atípicos: mata prostitutas de rua, desalojados e companheiros de profissão que não suporta. Tudo com o maior dos preparos e enquanto disserta sobre os artistas e hits do momento que mais aprecia...

O filme é uma provocação de uma ponta à outra. É uma sátira elegante, inteligente e misógina até ao tutano sobre a convulsão interna de uma classe social alienada e hedonista onde a moral e a ética constituem conceitos vagos. Para além da excelente revisitação dos comportamentos superficiais e paisagens da época, Mary Harron propõe um brutal estudo da crueza inerente à sua personagem principal, o serial killer que apresenta a sua metodologia tirana como algo natural dado o contexto em que habita. De facto, a psique distorcida e as acções sádicas de Patrick Bateman mais parecem um prolongamento empolado daquilo que se passa na arena social e profissional onde ele se tenta impor constantemente.

Tenho pena de confessar isto, mas a performance de Christian Bale é que já não me convenceu por aí além. Se é verdade que há momentos em que o actor atinge a excelência dramática, também é certo que existem tantos outros onde a sua interpretação se torna algo "postiça". Não nego que o filme puxa por esse lado over the top, mas isso não significa que o actor tenha de entrar a maior parte do tempo nos portais do excesso (mesmo que se compreenda que queira estar em consonância com o espírito da narrativa). Ainda assim, não é este factor que diminui a qualidade geral da obra.

Saúdo sim é o fabuloso final, uma espécie de anti-climax que desvenda o desnorteamento a todos os níveis do tresloucado empresário. Pode não agradar a todos (há quem o ache patético), mas continuo a considerar que essa conclusão condimenta na perfeição um filme que, não sendo brilhante, constitui um irrecusável objecto de cinema.

Classificação: 4/5

TOP 5 Jim Carrey

2008-04-16T09:27:00.000-07:00

1) Man On The Moon (1999)

2) Eternal Sunshine Of The Spotless Mind (2004)

3) The Majestic (2001)

4) The Cable Guy - O Melga (1996)

5) The Truman Show (1998)

My Blueberry Nights - O Sabor do Amor (2006)

2008-04-14T10:53:00.000-07:00

O Amor é um Lugar Estranho

Wong Kar-Wai, esse magnífico cineasta de origem chinesa que nos presenteou com pérolas inolvidáveis como Chungking Express e In The Mood For Love, espalhou-se ao comprido com o seu primeiro trabalho falado em inglês e rodado totalmente nos EUA. Se pensarmos bem, chega a ser desolador que isto tenha acontecido, quando na verdade a comunidade cinéfila torcia pela qualidade do filme e Kar-Wai parecia contar com todos os elementos (técnicos e humanos) para criar algo memorável. Mas não, aqui a aposta saiu furada, para mal dos nossos pecados.

Estamos perante um conto urbano-onírico de travo anímico sobre uma jovem mulher que, após um desgosto amoroso, se lança pela estrada fora, em busca de algumas respostas para as encruzilhadas da vida. Nessa travessia que se revela física, psicológica e afectivamente fulcral, a rapariga cruza-se com uma panóplia de personagens excêntricas que, involuntariamente, lhe fornecem algumas pequenas lições que a ajudarão a saciar as suas hesitações emocionais.

My Blueberry Nights conta com o primeiro trabalho de Norah Jones nos domínios da representação, e em abono da verdade a cantora não se sai nada mal. Mas também é certo que ela não tem muito para fazer. Como o filme possui um traço de terapia confessional, Jones vê a sua relevância a diminuir conforme vai interagindo com as outras personagens. O cast é sublime (Natalie Portman, Jude Law, Rachel Weisz e David Strathairn), mas inacreditavelmente nenhum deles faz um brilharete como é costume. Isto prende-se com o facto do argumento e das diversas resoluções dramáticas apresentarem uma grave falha ao nível da vibração emocional. O filme quer ser tão aprumadinho que se torna, afinal, em algo insosso e rebuscado. Depois, determinados diálogos também não ajudam à festa, uma vez que caem numa redundância tal que chegam a parecer oriundos de uma muito duvidosa filosofia de pacotilha.

A ideia que transparece é a de um portfolio de vinhetas prosaicas e pouco empolgantes em que Kar-Wai encerra um curioso paradoxo: ao querer copiar o melhor de si próprio, das suas marcas autorais, o realizador acaba por reflectir o seu pior. Mais parecendo uma curta-metragem esticada até ao limite, My Blueberry Nights quase descamba em terrenos fedúncios, tal a falta de carnalidade e de conclusões interessantes. Até a questão da própria viagem (que deveria ser um dos zénites do filme) é algo pífia, porque nunca se sente o peso dessa jornada nem a real importância que ela tem para a protagonista.

A estética arty de Kar-Wai está lá a marcar presença (valha-nos isso), com todo o cromatismo e jogo de luzes que lhe reconhecemos, mas isso não é suficiente para remediar um filme que soa demasiado a ingénuo. E que subaproveita os belos actores que tem sob a sua alçada. Definitivamente, as tartes de mirtilo devem saber bem melhor.

Classificação: 1/5

Marie Antoinette (2006)

2008-04-10T09:00:00.000-07:00

A Rainha do Povo

Que Sofia Coppola é um dos maiores talentos da sua árvore genealógica, disso não tenho as mínimas dúvidas. Há alguns anos que a talentosa argumentista e realizadora acalentava o desejo de criar um filme sobre a trágica Marie Antoinette, a jovem e terrible monarca de França (ao que parece, enquanto estava enredada na escrita deste projecto, Sofia começou a desenvolver uma obra que viria a ser o sucesso de crítica e público Lost In Translation). Quando finalmente surgiu a incrível permissão para filmar no interior do Palácio de Versalhes, as estrelas da sorte estavam como que alinhadas para a benção de algo que se acreditava ser inesquecível. Mas o saldo acabou por não ser tão entusiasmante. Acontece que, aquando da estreia do filme no Festival de Cannes, as críticas foram tudo menos entustiásticas, algumas até maldosas dizendo que a realizadora tinha perdido parte do encanto e originalidade que demonstrara nas obras anteriores.

Para elaborar o seu sonho, Sofia baseou-se livremente na polémica biografia da historiadora Antonia Frasier e interpretou o que absorveu. Por isso, para os puristas dos retratos históricos fica o conselho: procurar verosimilhança absoluta no que nos é apresentado não só se revela um erro crasso (contas feitas, a Marie Antoinette de Kirsten Dunst usa ténis Converse All Star, o que diz tudo) como também um simplismo na abordagem a este tipo de obra (lá por se adaptar a trajectória pessoal de uma figura icónica não significa que não se possa reinventar ou modernizar esse percurso, para estar em consonância com a visão de quem avança com o projecto).

Esta fábula feminista invoca então o espírito de Marie Antoinette (filha do imperador austríaco François I) que, ainda em plena adolescência, se vê obrigada a abandonar a sua Áustria Natal e partir rumo a Paris, para se casar com o futuro Rei de França, Louis XVI. A sua chegada à Corte Imperial marca o início da aliança franco-austríaca mas vai despoletar uma série de escandâlos que farão com que a jovem Marie Antoinette não seja muito bem vista nem aos olhos da monarquia reinante, nem do próprio povo francês. Kirsten Dunst foi a escolha da realizadora para encarnar a monarca rebelde, uma vez que a parceria entre ambas resultou magistralmente na longa-metragem inaugural de Sofia (The Virgin Suicides). Dunst, uma das actrizes mais resplandecentes da sua geração, faz muito com o pouco material dramático à sua disposição e não é certamente por culpa dela que o filme não resulta.

O problema reside na aposta numa grandiloquência a nível formal em detrimento de uma coerência narrativa. Nesse sentido, temos um filme plasticamente belo, glamouroso e com trejeitos de videoclip pop-rock, mas irritantemente parco em substância dramática. Falta a Marie Antoinette a perturbação emocional e a dimensão trágica que nos faria assimilar a tremenda injustiça a que aquela mulher foi sujeita. Apenas me marcaram duas cenas em que compreendemos a profundidade da personagem: quando recebe a destruidora carta da mãe e quando passeia com os filhos pelos jardins. De resto, Marie é basicamente uma top-model pueril, iníqua, viciada em doces e em constante movimento, como que a querer dar a falsa ilusão de que se está a passar muita coisa a nível dos sentimentos. Nada mais errado: o que se transmite na verdade é a total sensação de futilidade e inocuidade.

O mais frustrante é que a ideia-raíz de Sofia é fabulosa, um pouco na linha do que já tinha feito nos seus outros filmes. O olhar triste sobre a solidão na adolescência, o desespero de não se fazer compreender, a melancolia que o contexto tem sobre nós e o vazio existencial são vectores que, bem explorados, poderiam ter desaguado num biopic radical, mas tematicamente complexo. Infelizmente, nada disso acontece devido ao tal dispositivo dramático insuficiente. Depois, surge um outro erro gritante que é a marginalização das personagens secundárias; ao não terem tempo de antena, resumem-se apenas a adereços maravilhosamente vestidos e maquilhados, mas com uma espessura humana comparável a uma folha de papel.

Tiro o chapéu à espantosa fotografia e à coragem pela introdução de uma banda-sonora anacrónica (com nomes sonantes como The Cure, New Order e The Strokes), sendo que esta última decisão criativa é uma das tiradas mais majestosas de todo o projecto. Com essa opção, o que o filme faz é modernizar Marie Antoinette, trazendo-a para o contemporâneo e traçando um interessante paralelo com todas as mulheres que continuam a sofrer inúmeras opressões vindas de uma qualquer sociedade moralmente obsoleta e decadente. Tenho mesmo imensa pena do desperdício de valores que representa este filme, tanto mais por realmente compreender a mensagem que a realizadora quis passar. Enfim, depois deste tropeçar só nos resta esperar que venham melhores dias para a filha de Francis Ford Coppola... Vamos fazer figas!

Classificação: 2/5

Velvet Goldmine (1998)

2008-04-08T17:43:00.000-07:00

Quem Tramou Brian Slade?

Todd Haynes parece caminhar cada vez mais no sentido de se tornar um expert no capturar da essência de diversas eras. Em Veneno e Seguro, o realizador remetia-nos para os diversos problemas que assolam a sociedade contemporânea; em Longe do Paraíso, encenou um passeio elegante e triste aos melodramas de recorte clássico (típicos dos anos 50), fazendo a devida vénia ao intemporal Douglas Sirk; na sua mais recente obra, I'm Not There, Haynes propõe a revisitação da mitologia desse enigma criativo que é Bob Dylan. Como não podia deixar de ser, Velvet Goldmine também não foge a esta "regra" cinematográfica, em que o experimentalismo parece estar sempre presente.

O filme de 1998 transporta-nos para os atribulados anos 70, em que a cultura do Glam Rock vivia os seus dias de expressão máxima. O excesso era a palavra dominante e Brian Slade um dos ícones musicais que incorporava esse espírito kitsch. Com uma ascensão meteórica e a fama a seus pés, Slade vê a sua jornada terminar repentinamente com um atentado durante um espectáculo. Uma década depois, um jornalista é destacado para averiguar o que realmente aconteceu à estrela de outrora... Velvet Goldmine é um interessantíssimo exercício de nostalgia que evoca uma era de todas as possibilidades, de todas as afirmações individuais e sociais. Cruzando o registo de reportagem-ficcionada com o formato de videoclip pop-rock, Haynes conta uma história desencantada e algo feérica sobre as ambiguidades do desejo, que absorve literalmente o modus operandi dos filmes da década de 70 (o foco nas expressões faciais, que era uma verdadeira obsessão nas obras dessa época, está lá todo). O realizador explora o cáustico processo da fama, as teias da provocação enquanto ferramentas de modificação da ordem social e ainda a melancolia da memória/percepção.

Com todos estes recursos disponíveis por desbravar, sobra ainda tempo para trazer à superfície a estrutura de Citizen Kane e relembrar a mitologia de lendas vivas como David Bowie e Iggy Pop. O resultado prima pela excelência, e os actores não fogem a esse padrão. Especialmente Toni Collette, que tem uma interpretação avassaladora: a actriz é arrepiante na materialização cristalina de uma mulher traída pelos valores flutuantes de uma época que abraçou sem hesitações. Um "teatro musical" muito provocador, excêntrico, mas também de grande qualidade.

Classificação: 4,5/5

Keanu Reeves e o Repetir a Química...

2008-04-04T09:36:00.000-07:00

Com Sandra Bullock em Speed (1994) e A Casa da Lagoa (2006)

Com Charlize Theron em O Advogado do Diabo (1997) e Doce Novembro (2001)

Com Rachel Weisz em Perseguição Diabólica (1996) e Constantine (2005)

The Mist - Nevoeiro Misterioso (2007)

2008-04-03T09:17:00.000-07:00

Vieram do outro Mundo...

Uma pacata vila costeira é atacada por um súbito nevoeiro, após uma noite de intensa tempestade. Enquanto estão no supermercado local a fazer as habituais compras, um grupo de residentes da pequena comunidade apercebe-se da investida de uma estranha neblina. O pior é que nesse alastrar de nevoeiro escondem-se algumas criaturas de aspecto alienígena, com uma tremenda eficácia no extermínio de humanos. Como a massa atmosférica não consegue irromper pelos recintos fechados, os habitantes da vila vêm-se obrigados a permanecer no interior da superfície comercial, gerando-se assim um clima de paranóia e medo que não perde em nada na comparação com o que se passa lá fora.

Frank Darabont, o mítico realizador de Os Condenados de Shawshank, adapta mais uma vez uma obra do mestre do terror Stephen King (À Espera de um Milagre, com Tom Hanks, foi a outra adaptação de Darabont). E, verdade seja dita, não se sai nada mal. The Mist (que recicla o medo proporcionado por The Fog e The Thing, ambos de John Carpenter), enfatiza o modelo de terror clássico, em que o foco está todo direccionado para o seio das reacções/relações humanas. Mais fascinante do que a ameaça que despoleta a narrativa é o efeito que essa "sombra" pouco perceptível possui nas pessoas que a estão a viver. É verdadeiramente estimulante assistir a um bom filme que se serve dos mais actuais recursos tecnológicos para contar uma história com pés e cabeça, em vez de submeter o argumento a uma parafernália de efeitos especiais sem alma. Embora The Mist não concentre uma imensa qualidade no que diz respeito a essa manipulação digital de imagens, a verdade é que a competência do dispositivo dramático quase nos faz esquecer esse pormenor, tornando-se quase redundante o apuro visual.

Na suposta aparência de uma banal fita de horror, esconde-se afinal um filme muito decente que abarca genialmente outros géneros, funcionando tudo às mil maravilhas. O medo está lá todo, quer seja perpetuado pela ameaça exterior ou pela irracionalidade da natureza humana (tal como em The Thing, não sabemos qual das duas opções nos aterroriza mais). Temas como a paternidade, o fanatismo religioso, a perda das regras sociais perante uma situação de crise extrema e o poder da paranóia colectiva aglutinam-se na agenda de um género que nem sempre se tem pautado por resultados brilhantes. Juntamente com a sobriedade da realização (aquela passagem de cenas destila old school por todos os poros) encontra-se a solidez do elenco, que eleva a qualidade das interpretações para um filme com esta temática. Especial destaque vai para Marcia Gay Harden, essa eterna secundária de luxo que nos manipula os nervos na pele da tresloucada religiosa, pronta a relatar as profecias da desgraça a todos os que lhe dêem a mínima atenção.

O fabuloso final é simplesmente dos melhores com que me deparei nos últimos tempos: a sua brutalidade, que encerra uma total falta de esperança e puro desencanto, acompanha-nos depois de sairmos da sala e faz-nos crer que este não é daqueles filmes que esquecemos facilmente assim que acabam.

Classificação: 4/5

A (Re)Descobrir...

2008-03-31T09:07:00.001-07:00

Bulworth - Candidato em Perigo (1998): Deliciosa sátira política de finais dos anos 90, escrita, interpretada e realizada por Warren Beatty. Beatty é Bulworth, um senador que sofre uma espécie de colapso nervoso logo à beira de umas eleições importantíssimas. O homem não faz a coisa por menos: como não vê a luz ao fundo do túnel, contrata um assassino para o eliminar, não se esquecendo de dar ares de conspiração a toda a tramóia. Mas acontece que essa atitude vertiginosa acaba por lhe conceder um efeito de súbita vontade de viver. Reinventando-se enquanto homem e senador, Bulworth passa a discursar em forma de rap, desmascarando toda e qualquer hipocrisia da cena política americana e dos seus agentes. Bulworth é um filme que até pode pender um pouco para a demagogia, mas o saldo mais que positivo abafa algumas inconsistências. É raro ver algo assim tão frontal, que não receia pôr o dedo nas feridas que todos conhecem, mas que poucos reconhecem (que o tema seja a política é quase um pormenor secundário). Uma obra burlesca, corajosa e com mais profundidade do que aquilo que aparenta.

The Tracey Fragments - Os Fragmentos de Tracey (2007)

2008-03-28T10:11:00.000-07:00

Confissões de Adolescente

Produção independente canadiana assinada por Bruce McDonald, The Tracey Fragments é um objecto visualmente bizarro que desafia o intelecto (e expectativas) do espectador. A intriga é simples: Tracey Berkowitz, uma adolescente psicologicamente perturbada e proveniente de uma família disfuncional, procura desesperadamente o rasto ao seu irmão mais novo, Sonny, que estava aos seus cuidados. Enrolada numa cortina de casa de banho e refugiada na parte de trás do autocarro, Tracey vai dando conta da sua experiência pessoal (evocando a sua relação atribulada com o seio familiar, com o núcleo escolar e com a intenção amorosa que surge na pele de um colega recém-chegado). Numa deambulação sofrida, Tracey passa por uma transfiguração individual extrema, enquanto tenta lidar com os sentimentos angustiantes que a perseguem.

Misto de tragédia familiar com teen angst, The Tracey Fragments aposta numa irreverência ao nível da estrutura formal que é simplesmente estimulante: o ecrã é fragmentado em múltiplas "janelas" que reinventam os conceitos de tempo e espaço no cinema (algumas janelas estão adiantadas ou atrasadas temporalmente e outras revelam diferentes perspectivas do mesmo décor). Esta condição quase esquizofrénica, que se cola indelevelmente à psique da própria Tracey, desafia ao coser da lógica narrativa, no mesmo modo em que se juntam as peças de um qualquer puzzle para compreender a imagem no seu todo. Mas esta atitude vanguardista de tratamento visual de um filme seria totalmente descabida se por detrás não houvesse uma preocupação em tecer uma narrativa profunda (tanto mais que o tema não prima exactamente pela ligeireza). Nada a temer neste campo. O realizador oferece-nos um retrato subtil, muito triste e eminentemente trágico sobre alguém com uma profunda necessidade de afectos, que busca de forma decidida aquele que ama incondicionalmente, apesar de todo o caos que a rodeia.

Tracey está a anos-luz do modelo de jovem inócuo e anódino que se propaga pela mediocridade televisiva dita para adolescentes; ela tem ilusões, expectativas, sonhos e também muitas desilusões. Ou dito de outro modo: ela tem vida e soa a real, o que é sempre refrescante de se encontrar (já que é tão raro). A escolha para protagonista recaiu sobre esse milagre da nova vaga de jovens actores que é Ellen Page. A actriz é natural do Canadá e o argumento deve-lhe ter parecido uma proposta irrecusável, logo estavam reunidas todas as condições ideais para o avançar do projecto. Ainda para mais, Ellen não receia o chamamento do cinema alternativo, que lhe tem dado grande impulso na construção da sua carreira... Aqui ela perde-se por completo na personagem e é, uma vez mais, assombrosa! Mas isso já seria de esperar, não é?

Classificação: 4/5

Amores Proibidos

2008-03-27T09:39:00.001-07:00

Atonement - Expiação (2007) e The Cider House Rules - As Regras da Casa (1999)

Cena de Culto...

2008-03-19T10:41:00.001-07:00

Love Actually - O Amor Acontece (2003)

The Machinist - O Maquinista (2004)

2008-03-18T09:49:00.000-07:00

De Olhos Bem Abertos

Trevor Reznik é um operário fabril que sofre de uma privação de sono vai para um ano. Essa estranha condição clínica reflecte-se no seu corpo (que apresenta uma estrutura extremamente cadavérica) e na sua mente (que está à beira do colapso). A cinzentona vida de Trevor resume-se a rituais obsessivos e à pura letargia, já que o trabalho parece sugar-lhe toda a existência. Os únicos focos de brilho estão na pele da meiga prostituta com quem ele se encontra e numa simpática empregada de café de aeroporto, com quem Trevor trava uma amizade peculiar. Após um trágico acidente na fábrica, por culpa da distracção de Trevor, todos se começam a virar contra o operário, que afirma estar a ser vítima de uma conspiração muito bem elaborada. A presença de um insinuante colega que só Trevor parece ver também não ajuda muito à resolução do enigma...

The Machinist é o tal filme de culto em que Christian Bale perdeu a capacidade de discernimento juntamente com o peso. Para compor a personagem do operário atormentado, o actor dedicou-se a uma intensiva dieta, recorrendo a uma alimentação paupérrima e evitando o acompanhamento médico especializado. O resultado foi uma inacreditável perda de massa muscular (30 quilos foram à vida...), estabelecendo um novo padrão no que diz respeito aos limites a que se está disposto a ir por amor à arte. Decisões arriscadas à parte, justiça tem de ser feita a Bale, que conseguiu também alterar a sua estrutura emocional, afundando-se na persona (e, especialmente, na psique) de Trevor Reznik. O desempenho do actor é fenomenal, um dos grandes atractivos do filme. The Machinist, uma produção espanhola assinada por Brad Anderson, pode ser descrito como um thriller urbano claustrofóbico, com ambiências densas e opressivas. Evocar David Cronenberg torna-se inevitável, pois a questão da dilaceração do corpo é uma das marcas autorais do cineasta canadiano. O que está em jogo em The Machinist, para além dessa componente física, é o estudo de uma personagem complexa e fascinante, que consegue captar as atenções e decidir o rumo do filme (aliás, a narrativa apoia-se totalmente no seu protagonista, e esse veículo é a solução mais acertada).

Se bem que as ideias criativas não sejam particularmente originais, uma vez que já vimos isto concretizado noutros filmes bem melhores, a verdade é que são empolgantes o suficiente para nos prender à história. Mas o grande trunfo da obra, a par da interpretação, é o tratamento dado ao tema da culpa. Que me lembre, este é dos últimos filmes que melhor soube explorar esta temática, sem necessidade de "rasteiras" lamechas. A culpa surge como um mecanismo inconsciente que abafa a memória e dita a acção e ainda como um fenómeno passível de conduzir à fragmentação física e psicológica, a que se vem juntar o processo de alienação. Não há como fugir à culpa e basta lembrar as cenas em que a personagem de Bale se lava compulsivamente com lixívia para percebermos isso mesmo. Ele bem pode desinfectar o corpo com esse produto, mas para alcançar a purificação interior não há lixívia que lhe valha... Destaque para as presenças de Jennifer Jason Leigh e Aitana Sánchez-Gijón.

Classificação: 3,5/5

L'Auberge Espagnole - A Residência Espanhola (2002)

2008-03-14T11:05:00.000-07:00

Geração Desenrascada

Xavier, um jovem estudante francês, decide partir para Barcelona ao abrigo do programa universitário Erasmus. Uma vez lá chegado, rapidamente encontra um "ninho" numa residência recheada de estudantes de diversas origens. A estadia é de um ano e durante esse período de tempo Xavier toma plena consciência da dimensão europeia e do caos que é planear o futuro num mundo de múltiplas possibilidades. Pelo meio, entra em desavenças com a namorada Martine, envolve-se com uma bela mulher casada e cria amizades inesquecíveis com os colegas e companheiros de casa.

Retrato sentido de um novo tipo de juventude, L'Auberge Espagnole é um interessante filme de Cédric Klapisch que conquistou a simpatia um pouco por todo o lado onde estreou. Em Portugal a recepção foi entusiástica, tendo sido agraciado com os parabéns da crítica e com a adesão do público, gerando até alguma surpresa (trata-se de um filme de orçamento modesto, europeu e sem grandes nomes no elenco, daí que tenha sido algo surpreendente o seu sucesso). Mas fora esta trivialidade, o facto é que este título tem realmente a qualidade a seu favor. Considerado por muitos o filme-estandarte do programa Erasmus, L'Auberge Espagnole propõe uma perspectiva desempoeirada sobre a multiculturalidade presente na Europa contemporânea, Europa esta que incorpora um sólido sistema ideológico e que exalta os valores de toda uma nova geração predisposta ao alargamento das fronteiras físicas e mentais. Ao mesmo passo, evita ser tendencioso/panfletário: não só apresenta o lado "solarengo" como também denuncia os aspectos menos estimulantes de todo o processo (exemplo: burocracia).

Klapisch contorna os caminhos da caricatura boçal, fugindo assim aos estereótipos que se poderiam facilmente associar a cada uma das nacionalidades representadas. Outro triunfo a apontar está no argumento hábil, que consegue abraçar uma visão irónica e não condescendente da juventude estudantil (aqui não há qualquer margem para facilitismos dessa ordem). O recurso ao vídeo digital enfatiza a cor, o dinamismo e a energia formal, indo na linha da composição dramática das próprias personagens. Se existe uma fraqueza a apontar, essa está relacionada com o facto do filme nem sempre ser expedito nos seus propósitos, quebrando o ritmo em algumas partes algo dispensáveis.

Mas verdade seja dita, o todo é extremamente compensador, engraçado e até comovente. Saúde-se o realizador e o radioso elenco (esta foi a fita que ajudou a carreira de Romain Duris e que confirmou o doce estatuto de Audrey Tautou) pela criação de um tão estimável "filme de culto europeu", que não receia assumir a sua faceta mais sentimental. Existe uma sequela que dá pelo nome de "Les Poupées Russes - As Bonecas Russas".

Classificação: 3,5/5

Críticas à Pressão...

2008-03-11T11:20:00.000-07:00

- Proof - Entre o Génio e a Loucura: 3/5

- Cop Land - Zona Exclusiva: 2/5

- Moonlight Mile - Sonhos Desfeitos: 3/5

Once (2007)

2008-03-10T09:32:00.000-07:00

Conta Comigo

Once é um daqueles pequenos grandes filmes com uma alma tão vibrante que nos conquistam sem estarmos à espera. Aplaudido pela crítica, este projecto forjado no seio independente e realizado por John Carney adquiriu o estatuto de culto instantâneo e, de facto, merece-o na sua totalidade. O filme foi uma das grandes surpresas do ano na cerimónia dos Óscares, ao vencer na categoria de melhor canção original com o tema Falling Slowly (as estatuetas foram entregues aos compositores e intérpretes, Glen Hansard e Markéta Irglová, que são também o par protagonista da fita).

Once é um conto urbano e contemporâneo que revisita a matriz do musical, renegando a habitual componente onírica e espectacular desse universo. Sem recorrer a artifícios decorativistas e de realização, Carney leva o seu filme para o domínio do realismo, criando uma espécie de "musical de rua" habitado por pessoas comuns, que padecem dos problemas do quotidiano. O argumento baseia-se na visão realista e esperançosa de duas pessoas (das quais nunca ficamos a saber o nome) que encontram um elo em comum: a paixão pela música. Ele é um trintão que toca e canta nas ruas de Dublin por umas simples esmolas, acalentando o desejo de assinar um contrato discográfico; ela é uma emigrante checa, divorciada e mãe de uma menina, que se exprime através do piano e das cantorias. Entre eles nasce uma amizade muito especial, em que a música é a figura principal, com poder suficiente para fazer com que estas almas gémeas alimentem a esperança mútua e ultrapassem algumas agruras da vida.

A crueza da realização confere ao filme uma nota de voyeurismo muito convincente, sem que isto signifique que impere a banalidade emocional. Na verdade, o par central é composto por não-actores, mas isso não se pressente no filme, tanto mais que ambos se entregam honestamente aos seus papéis. O que resulta é uma química intensa que não perde nada na comparação com o trabalho de actores bem experientes. Para além disto, a banda-sonora que atravessa Once é um mimo viciante, que dá vontade de ir a correr comprar o disco. Compensando os poucos diálogos, as músicas destacam-se pela excelente qualidade das letras e pela transparência com que fazem sobressair as belas vozes que as interpretam.

Como quem não quer a coisa, surge assim um musical que realmente reinventa o género, primando pela simplicidade e dando um brilho especial a pessoas com quem já nos cruzámos de certeza. Basta ir na rua e abrir os olhos. Melhor: basta abrir o coração e deixar a música fluir.

Classificação: 4/5

Fim-de-Semana...

2008-03-07T05:44:00.000-08:00

- A Guerra Das Rosas, Sábado, Hollywood, 17h00;

- Mr. and Mrs. Smith, Sábado, TVI, 17h40;

- Um Longo Domingo de Noivado, Sábado, RTP2, 23h35.

A (Re)Descobrir...

2008-03-06T09:07:00.000-08:00

Tigerland - Teste Final (2000):"Tigerland" é uma das últimas grandes obras do irregular realizador Joel Schumacher (autor de Batman e Robin, Tempo de Matar e Cabine Telefónica). Trata-se de uma produção de baixo orçamento que reflecte sobre um tema já muito focado pela indústria cinematográfica norte-americana, mas que mesmo assim consegue incutir-lhe outra roupagem. Contando com um elenco jovem e algo desconhecido na altura (este é um dos primeiros trabalhos de representação de Colin Farrell), Schumacher ensaia o desespero e a angústia de um grupo de jovens que tem de estar disponível para um universo que não lhes é totalmente perceptível: a guerra no Vietname. O título do filme está relacionado com um campo de treino onde esses soldados americanos podem encontrar um reflexo geográfico daquele que irão presenciar nas florestas vietnamitas. Com bons desempenhos e uma fotografia sufocante, "Tigerland" torna-se uma proposta irrecusável para quem aprecia diferentes perspectivas sobre a mesma temática. Cá foi lançado directamente em DVD...

The Nanny Diaries - Diário de Uma Nanny (2007)

2008-03-05T08:28:00.000-08:00

Uma Ama à beira de um ataque de nervos...

Depois do sucesso crítico alcançado com o excelente "American Splendor", a dupla Shari Springer Berman e Robert Pulcini atirou-se de cabeça para um projecto de cariz adolescente, que mistura desequilibradamente a comédia satírica com o melodrama light. A base foi a obra de Emma McLaughlin e Nicola Kraus e o resultado é "The Nanny Diaries", que apresenta uma Scarlett Johansson fresca e dinâmica decidida a provar que consegue demonstrar o seu talento em vários registos. A actriz interpreta Annie Braddock, uma recém-licenciada apaixonada por antropologia que aceita um trabalho como baby-sitter para uma família abastada da implacável sociedade nova-iorquina (família que ela deliciosamente denomina de "X's"). Inicialmente, Annie assume o seu trabalho como um estudo científico, que lhe permite analisar pessoas, rituais e ambientes. Mas ao ser conquistada pelo petiz aos seus cuidados, Annie deixa-se absorver pelo seu exigente cargo, permitindo os mais variados abusos por parte do Casal "X". "The Nanny Diaries" surge na senda do famoso "O Diabo Veste Prada", sendo quase uma cópia desse fraco filme. Vejamos as semelhanças: rapariga culta e desempoeirada consegue emprego num meio supostamente glamouroso, radicalmente diferente do seu ambiente natural. Enquanto sua as estopinhas para cumprir as suas funções, atura uma patroa tirânica e egocêntrica e vai perdendo contacto com familiares e amigos. Tiro e queda! Mas mesmo assim, faço justiça a "The Nanny Diaries" por possuir um charme próprio que nos conquista sem estarmos à espera. O filme começa muito bem, com soluções criativas originais que apelam aos terrenos da fábula. O aplicar da observação antropológica ao universo cosmopolita da protagonista então é um achado certeiro. É pena é que essa criatividade não dure muito tempo, pois à medida que a narrativa se desenrola o encanto vai-se esfumando. O filme sabe que está a andar sobre clichés e o curioso é que parece não se querer importar com esse facto. Aliado a isto está a indecisão na escolha do tom: não se percebe bem se o objectivo é ser uma sátira ou um melodrama. Para sátira falta-lhe acidez; para melodrama não é muito inventivo (chegando até a ser lamechas). Contas feitas, fica-se com um filme doce e modesto, que contém algumas boas cenas, a entrega jovial de Johansson e uma bela homenagem à eterna rainha das amas: Mary Poppins. Mas esperava-se mais do par que nos deu "American Splendor"...

Classificação: 2/5

O Bom, o Razoável e o Mau: Filmes Realizados Por Oliver Stone

2008-03-04T12:29:00.000-08:00

O Bom: Natural Born Killers - Assassinos Natos (1994)

O Razoável: The Doors - O Mito De Uma Geração (1991)

O Mau: Alexander - Alexandre, o Grande (2004)

TOP 5 Meryl Streep

2008-03-03T12:09:00.000-08:00

1) The Bridges Of Madison County - As Pontes de Madison County (1995)

2) Sophie's Choice - A Escolha De Sofia (1982)

3) Out Of Africa - África Minha (1985)

4) The Hours - As Horas (2002)

5) Kramer Vs Kramer - Kramer Contra Kramer (1979)

É difícil fazer um TOP 5 desta actriz fabulosa...

Will Ferrell: Viciado em Sport-Movies?

2008-02-29T10:53:00.000-08:00

- "Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby" (2006): Piloto de corridas NASCAR

- "Blades Of Glory" (2007): Patinador Artístico

- "Semi-Pro" (2008): Jogador de Basketball

No Country For Old Men - Este País Não é Para Velhos (2007)

2008-02-28T17:25:00.000-08:00

Uma História de Violência

Começo por confessar que não sou dos maiores fãs da obra dos manos Coen. Admiro-lhes a capacidade de adaptação aos diversos géneros cinematográficos, a tentativa de expressar originalidade naquilo que filmam e de nunca se esquecerem de introduzir as suas características notas satíricas mesmo em cenas dramaticamente complexas. O grande senão é que, com bases tão interessantes, aquilo que os manos edificam acaba por deixar quase sempre uma sensação de que se poderia ter ido mais longe, quer em desenvolvimento humano, quer em aprofundamento das temáticas narrativas. No Country For Old Men é decididamente um bom filme, mas não o consideraria o "filme do ano" tal como a Academia o fez.

O que a dupla Coen nos dá é um conto negro que evoca a mitologia dos westerns clássicos, remetendo para as noções de violência e bem vs mal do passado que se continuam a propagar no presente. O filme é particularmente eficiente na imersão no lado negro da condição humana, onde a perversidade, a ganância e, mais uma vez, a violência se passeiam naturalmente lado a lado. Por seu turno, a moral (que é representada pela personagem de Tommy Lee Jones) está revestida pela desilusão de quem já assistiu a muito e que já não possui grande esperança no Homem. Todos estes contrastes são filmados sob uma atmosfera hiper-tensa, sordidamente tétrica e capaz de colocar o nosso dispositivo dos nervos em constante estado de alarme.

A história, baseada no romance homónimo de Cormac McCarthy, desenrola-se no Texas, nos idos anos 80: enquanto está a caçar, Llewelyn Moss encontra um mala cheia de dinheiro (2 milhões de dólares) e uma carrinha com um carregamento de droga, que resultou de uma operação de tráfico que correu para o torto. Os intervenientes estão dizimados e Moss não perde tempo a tomar posse da mala, que é um petisco bem apetecível. Mal sabe ele é que atrás de si irá Anton Chigurh, um assassino implacável e sádico equipado com uma botija de ar comprimido e crente convicto na aleatoriedade do "cara ou coroa". Nesta batalha entre a presa e o predador, encontra-se a justiça na pele do Xerife Ed Tom Bell , cada vez mais desencantado com a natureza humana. Afinal, num acto que parecia ter todos os ingredientes para ser linear, Moss acaba por desencadear uma onda de violência extrema.

Sem nunca esquecer o humor negro que os caracteriza, os Coen revelam-se dinâmicos na construção de um thriller intenso onde o factor humano é o mais importante. Tommy Lee Jones e Javier Bardem são sem dúvida as peças mais intrigantes deste jogo. No caso do segundo, ele compõe um sinistro assassino com uma ética muito própria e avesso a sentimentalismos. O seu psicótico Anton insinua-se de forma serena, escondendo as suas verdadeiras intenções e aparentando até uma certa elegância obscena. Bardem tem aqui um dos melhores papéis da sua carreira e o Óscar de secundário foi muito merecido. O filme conta ainda com a vitalidade do feminino, muito bem representada por Kelly Macdonald: ela é a pureza e a consciência num mundo de homens insanos pela violência, onde a misoginia é um dado adquirido.

Não sendo uma obra-prima absoluta, No Country For Old Men resulta num filme incendiário que vem uma vez mais comprovar o imenso talento da dupla no campo da realização e na sua arte específica de storytelling. Destaque final para a fotografia, que capta a solidão desencantada das paisagens do interior dos EUA.

Classificação: 4/5

Juno (2007)

2008-02-26T08:19:00.000-08:00

A Idade Da Inocência

Juno, uma comédia com pitadas de drama e autenticada com o selo independente, viu a sorte cruzar-se com a sua trajectória comercial. O filme, escrito pela ex-stripper Diablo Cody e realizado por Jason Reitman (o mesmo de "Obrigado Por Fumar"), tem recebido elogios um pouco por toda a parte e foi agraciado com 4 nomeações para os Óscares (venceu na categoria de Melhor Argumento Original). Este é decididamente o culto indie do ano para muita gente, um pouco à imagem de "Little Miss Sunshine".

Confesso que o acho simpático, com um grande coração e com uma imensa vontade de ser original. Este último factor acaba por funcionar, no entanto, como uma espécie de maldição. É verdade que os diálogos são deliciosos e bem espirituosos (tal como a personalidade da personagem principal), mas quer-me parecer também que reflectem a vontade excessiva do argumento em colocar as suas personagens a debitar pérolas por tudo e por nada. Infelizmente, essa condição retira alguma naturalidade e espontaneidade ao projecto. Juno é desde logo uma fita que não receia a sua faceta offbeat e que muito menos tem problemas em abordar um assunto complicado: o da gravidez na adolescência. De facto, esta história de uma teenager que engravida do seu namorado geek e que decide que a adopção é a melhor solução está bem delineada, consegue ser cómica e comovente e, acima de tudo, tem o cuidado de proporcionar um retrato fiel dos jovens que encaram a sexualidade de uma perspectiva não escatológica. Os grandes problemas, na minha opinião, têm a ver com a inverosimilhança dramática de algumas situações e com o ostracizar de uma personagem que eu diria fundamental: a de Bleeker, o namorado de Juno e pai do bebé. Acontece que a sua importância na história é minimal, aparecendo quase exclusivamente para personificar uma alma nerd alheia a tudo.

Fora isto, chega-se à raíz vital da obra: Ellen Page. Ela eleva Juno para lá das nuvens, com uma interpretação sentida e artisticamente adulta. Para além de encher todo o ecrã com um dinamismo que rouba a atenção do espectador (não se tornando difícil perceber por que razão foi nomeada ao Óscar), a jovem actriz consegue ainda defender com unhas e dentes o papel de uma rapariga que se vê confrontada com uma situação de difícil gestão, ao mesmo tempo em que é quase obrigada a abandonar o seu estatuto de adolescente e a acelerar o processo de crescimento. Outro triunfo é o facto de Juno estar fortemente musicado, com o recurso a uma banda-sonora eminentemente indie e bem-disposta, que se encontra em perfeita sintonia com o espírito do próprio filme.

Não sendo magnífica, esta recente realização de Reitman revela-se humilde o suficiente para merecer a nossa atenção. No final, percebemos que estivemos na presença de um filme coming of age com uma essência muito específica, doce e honesta. E isso já é uma boa razão para nos levar uma sala de cinema o mais rápido possível...

Classificação: 3/5

A (Re)Descobrir...

2008-02-23T10:38:00.000-08:00

- A Passagem Da Noite (2004): Mariana, uma jovem de 17 anos, é violada por um toxicodependente. Mais tarde, ao descobrir que engravidou, decide esconder esse facto de toda a gente, esforçando-se ao máximo por disfarçar a natural transformação do seu corpo. Durante esses meses de pura angústia, a rapariga acaba por fazer a passagem da adolescência para a maturidade. "A Passagem Da Noite", um belo exemplo daquilo de bom que se faz em Portugal em termos cinematográficos, é um drama sóbrio que se desprende dos esquematismos advogados pelas produções televisivas. O filme contém um universo afectivo muito bem construído e evita o terreno da vitimização da personagem principal (Mariana é a determinação em estado puro, é alguém que rejeita categoricamente o sentimento de pena, nunca se entregando ao facilitismo do "choradinho"). Faço justiça a Leonor Seixas, confessando desde já que não conheço o trabalho dela na ficção nacional televisiva. Contudo, a sua interpretação é de uma honestidade tal (e de uma luminosidade também) que torna-se impossível não lhe fazer a devida vénia. De Luís Filipe Rocha, o realizador de "Adeus Pai".

Fim-de Semana...

2008-02-22T06:04:00.000-08:00

- "Almost Famous - Quase Famosos" (2000), Hoje, no Hollywood, às 19h00.

- " The Opposite Of Sex - O Oposto Do Sexo" (1998), Sábado, no AXN, às 18h50.

- "Mighty Aphrodite - Poderosa Afrodite" (1995), Domingo, na RTP1, às 00h45.

Caché - Nada a Esconder (2005)

2008-02-21T09:31:00.000-08:00

Família, Mentiras e Vídeo

Que Michael Haneke é um dos mais geniais autores no activo não há dúvidas disso. Que Caché divide as opiniões de forma incisiva também parece-me que não. Vencedor do prémio de realização em Cannes, o filme tem sido alvo de diversas leituras, já que a sua sinuosa construção e o final aparentemente em aberto levam a essa possibilidade. De facto, a filmografia do autor é conhecida por permitir uma pluralidade de interpretações; a dimensão eminentemente pessoal dos seus projectos traduz-se em obras que só são perceptíveis na sua totalidade apenas por quem se der ao esforço de as desconstruir. Mais: a crueldade da câmera do realizador, inquietante e serena na mesma medida, tornam-no uma das faces mais originais do cinema europeu contemporâneo.

Caché é um conto intrigante sobre um casal (Georges e Anne), que subitamente vê a sua existência perturbada pela recepção de vídeos cujas imagens captam o seu quotidiano. Em simultâneo, começam também a surgir desenhos macabros de difícil interpretação. Sentindo-se um joguete nas mãos do anónimo que os observa, o casal começa aos poucos a se desintegrar, deixando vir ao de cima as fragilidades que estão na base da relação. Aliados a esta tragédia pessoal estão os traumas de infância de George, que o voltam a assombrar e que poderão muito bem estar relacionados com toda esta situação enigmática...

O filme é exímio na sua dedicada descrição dos efeitos da culpa e da repressão, enquanto se cerca dos fantasmas que habitam as feridas interiores de uma França com fortes políticas de segregação racial e ávida de redimir o mal de outrora. Aos poucos, Haneke parte do retrato de uma intimidade familiar com intensos problemas de comunicação para traçar um cenário oblíquo da identidade de um país que vive amargurado com as acções do seu passado recente. Assim, chegando à raíz do argumento, Caché mostra as suas verdadeiras guelras, revelando o seu forte subtexto político (que entra em conflito directo com o drama vivido pelas personagens). Haneke tem uma habilidade característica para mexer os cordelinhos das expectativas do espectador (basta reportarmo-nos a Funny Games, que continua a ser o exemplo máximo desta capacidade) e, nessa medida, Caché não foge à regra. O jogo mental começa logo ao início, quando afinal o que estamos a ver não é um acontecimento actual mas sim as imagens de uma gravação. O poder ilusório das imagens, que se alastra na sociedade actual, é algo que perpassa o filme e com uma nota bastante curiosa: há alturas em que não sabemos se determinados cenários estão a ser observados pelos olhos de alguma das personagens ou se são fruto de mais uma gravação de vídeo.

Mais importante do que descobrir a identidade do remetente é analisar o impacto que essa "presença" provocadora despoleta num seio familiar, onde a comunicação parece ser um elemento em desuso e onde a psique de cada um está sempre em análise. O realizador orquestra todas as peças no seu reconhecido modo de "perfeccionista dos pormenores", sem descurar o seu registo clínico e austero (onde a mais brutal e perturbante das imagens é sempre captada com a mais natural das serenidades). Não seria de esperar outro método por parte de Haneke, ele que cada vez mais se posiciona como uma das figuras máximas da arte do voyeurismo perverso, onde as convulsões afectivas atingem píncaros inolvidáveis...

Este não é de todo um filme fácil; tem uma atmosfera densa, complexa e algo derivativa. Além disso, pede muito esforço no coser da lógica da narrativa e parece que não dá resposta às inúmeras questões que levanta. Mas isso é puro engano: basta esperar até ao final para que tudo bata certo. Por isso aqui fica o conselho: olhos bem abertos mesmo até ao fim!

Classificação: 4/5

Retratos De Amor...

2008-02-20T23:55:00.000-08:00

- On Golden Pond - A Casa Do Lago (1981): Ethel e Norman, um casal de meia-idade com um amor de longa data e em repouso na sua casa de Verão, recebe a visita da filha Chelsea (que vem equipada com o seu companheiro e com o filho dele). Esta chegada vai trazer ao de cima os conflitos que sempre estiveram presentes na relação entre pai e filha. "A Casa Do Lago" traça paralelos com a própria relação conturbada entre Jane Fonda e Henry Fonda (pai e filha no filme e na vida real), que conseguiram resolver as suas diferenças ao contracenarem nesta película vencedora de 3 Óscares;

- The Bridges Of Madison County - As Pontes De Madison County (1995): Francesca, uma dona de casa do Iowa, trava conhecimento com um fotógrafo da National Geographic, durante uns dias de ausência do marido e dos filhos. O amor brota e Francesca terá de decidir se parte com o grande amor da sua vida ou se se resigna a uma vida pacata e familiar, vazia de todas as emoções que a completam. Filme absolutamente fulcral para compreender o cinema romântico dos anos 90, "As Pontes de Madison County" relata um amor adulto e fugaz, mas com profundidade suficiente para marcar toda uma vida. Esta continua a ser uma das melhores realizações de Clint Eastwood, que conta aqui com um desempenho larger than life de Meryl Streep (mais um, portanto...);

- Lady Chatterley (2006): Filme baseado num romance de D.H. Lawrence. Lady Constance leva uma existência insípida, monótona, cuidando do marido paralisado na Grande Guerra. Ela começa a apresentar sinais de depressão e a solução para o mal parece estar nos simples passeios pelos bosques que circundam o castelo onde o casal vive. Durante as suas passeatas, Constance cruza-se com o guarda-caça e rapidamente surge um elo romântico que despertará todos os instintos adormecidos da jovem mulher. Uma recente obra do cinema francês, que é ainda uma bela pérola sobre o desejo - com uma excelente interpretação de Marina Hands.

A (Re)Descobrir...

2008-02-19T03:41:00.000-08:00

- Romper Stomper - Os Revoltados (1992): Este poderoso filme australiano de baixo orçamento foi um dos primeiros trabalhos de representação do agora famoso Russell Crowe. A história tem lugar em Melbourne, cidade que acolhe um elevado número de imigrantes asiáticos. Estes são vítimas das políticas de xenofobia e racismo praticadas pelos habitantes australianos, que se sentem injustiçados com as suas precárias condições de vida e no direito de defender o seu "território". A acção centra-se num grupo de skinheads, liderado por Hando (a personagem de Crowe), que luta desenfreadamente pela limpeza étnica do bairro, envolvendo-se em inúmeros conflitos com os imigrantes vietnamitas. Nesse ritual de violência entra Gabe, uma rapariga com um percurso pessoal traumático que se envolve com Hando e por quem Davey, um dos amigos de Hando, se apaixona. "Romper Stomper" é um projecto arriscado que vai beber influências a "Laranja Mecânica" e que está tematicamente muito próximo de "American History X - América Proibida". Pode até perder na comparação com o filme protagonizado por Edward Norton, mas não deixa de ser uma excelente obra.

Estreias Da Próxima 5ª Feira...

2008-02-18T01:20:00.000-08:00

- "Juno", de Jason Reitman. Com Ellen Page, Michael Cera e Jennifer Garner;

- "Michael Clayton - Uma Questão de Consciência", de Tony Gilroy. Com George Clooney, Tilda Swinton e Tom Wilkinson.

There Will Be Blood - Haverá Sangue (2007)

2008-02-16T08:29:00.000-08:00

A Febre Do "Ouro" Negro

Paul Thomas Anderson regressa à sua boa caminhada, depois de em 2002 nos ter dado um medíocre Punch Drunk Love, com Adam Sandler e Emily Watson. Aqui, ele não faz a coisa por pouco e o que nos oferece é, nada mais nada menos, do que um belíssimo épico de grande escala, reminiscente dos filmes dourados da era clássica norte-americana. There Will Be Blood apresenta um galvanizante Daniel Day-Lewis insano de complexidade e ambiguidade, com uma interpretação realmente magistral (que devora todas as cenas em que entra) e tão negra como o petróleo que a sua personagem ousa em extrair. É na presença do actor que reside a maior força do filme, é ele quem desembrulha o portfolio de emoções, que lança as linhas narrativas e é também ele que carrega com o peso de toda a obra. Day-Lewis é um perfeccionista nato, toda a sua carreira tem sido gerida de acordo com essa virtude irredutível. Mais uma vez, o intérprete dissolve-se no seu papel, criando uma figura colossal que já se está a tornar uma referência icónica para o cinema contemporâneo.

Em inícios do século XX, somos apresentados a Daniel Plainview, um ganancioso e famoso prospector de petróleo que saliva pelo imenso lucro que essa fonte proporciona. Equipado com o seu pessoal e com o filho menor (H.W. Plainview), Daniel começa a criar uma base de riqueza devido às terras que explora incansavelmente. Quando lhe chega aos ouvidos que existe uma região agreste com um subsolo rico em petróleo, o magnata muda-se de malas e bagagens para lá. A região, conhecida por Little Boston, assemelha-se a um deserto, mas está repleta de gente cuja vida se resume ao trabalho e à dedicação extrema à fé. Um dos seus habitantes é Eli Sunday, um fanático evangélico e principal mentor e profeta da Igreja da Terceira Revelação, que é basicamente a ordem religiosa que impera naquela terra. O jovem entretém-se a purificar a alma dos fiéis na suas tresloucadas sessões espirituais e todos os seus esforços convergem no sentido de angariar fundos para manter a sua missão. Entre Plainview e Sunday estabelece-se uma relação de contornos negros, em que não dá para perceber muito bem quem é o santo e quem é o pecador. À medida que o tempo vai passando, a outrora afável maneira de ser do prospector transfigura-se numa faceta obscura, que começa a executar de forma brutal um conjunto de acções completamente condenáveis.

O filme começa de forma bastante insólita, apresentando um largo segmento de imagens poderosas, mas estéreis de diálogos. Logo aí dá para perceber que estamos perante uma obra disposta a corromper com todos os códigos do cinema actual, pretendendo trilhar imaculadamente o terreno da originalidade - mesmo que invoque com discrição a aura selecta de Kubrick. A prova desse esforço criativo é ainda a forma espantosa como o argumento mergulha, sem receios, no lado mais negro da condição humana: durante quase 3 horas de fita presencia-se a obsessão, manipulação, mentira, avareza e maldade, tudo filmado por P. T. Anderson com a maior das naturalidades. Com uma abordagem dessa natureza, não é de estranhar a facilidade com que o espectador abraça a progressiva alteração da personalidade de Daniel; afinal, ele é alguém tão condenável quanto intrigante, fazendo com que os sentimentos dúbios entrem em disputa durante todo o filme. Mesmo quando ele afirma descaradamente que odeia todos os homens torna-se impossível ignorá-lo... Depois, é importante não esquecer a questão da fé (um dos temas fulcrais), hábil a marcar presença o tempo todo e que está revestida de uma curiosa distorção, que afecta todas as personagens. A fé funciona aqui como uma espécie de refúgio puritano, ou lei implacável, onde se pode esconder todo o tipo de perversão. Noutro nível de leitura, o realizador parece estar apostado em afirmar que as bases para a construção da América tiveram a sua origem em conceitos moralmente dignos, mas que entretanto se desvirtuaram por completo, dando então prioridade à impureza do Homem ganancioso.

Verdadeiro clássico instantâneo, em "There Will Be Blood" realça-se ainda a sólida direcção de actores, os seus majestosos valores de produção, a fotografia cristalina e principalmente a banda-sonora que fica cravada na mente, tal é a intensidade dramática que ecoa (e que acompanha eficazmente a narrativa). Temos de agradecer a Jonny Greenwood este feito impressionante... Para além desta panóplia espantosa, conta-se ainda com um par de cenas verdadeiramente emblemáticas, que vão perdurar na nossa memória cinéfila. Um triunfo absoluto, com um elenco igualmente brilhante!

Classificação: 5/5

Irréversible - Irreversível (2002)

2008-02-15T00:34:00.000-08:00

Entre o Inferno e o Céu

Gaspar Noé levou o seu filme a Cannes e as reacções resumiram-se a ondas de contestação. Na verdade, sem contar com "The Brown Bunny" (de Vincent Gallo), não me recordo de um outro filme na história recente que tenha sido alvo de tanta pancadaria por parte da crítica presente nesse certame. O realizador de "Irréversible" também não ajudou à festa, já que fez questão de promover a película através da atribuição de rótulos pouco convencionais. Mas não é por aí que vem mal ao Mundo. O problema é que muito se falou dos conteúdos arriscados (incluindo a infame cena da violação da personagem de Monica Bellucci, que dura praticamente 10 minutos) e do pseudo-lirismo da obra, mas o que surgiu à tona foi uma inanidade com mais olhos que barriga.

O argumento foca a atenção em três personagens: a bela Alex, Marcus (o actual companheiro de Alex) e Pierre (amigo do casal e ex-namorado dela). Quando a namorada sofre um brutal ataque num túnel tétrico, Marcus entra numa espiral de fúria e planeia uma vingança igualmente violenta. Tendo a seu lado Pierre, Marcus procura desenfreadamente o responsável pela tragédia, sendo que a sua busca o conduz a um bar chamado "Réctum" e à identidade do agressor, que responde pelo nome Tenia. Subtil, não é? Na minha opinião, Noé não faz mais do que uma tentativa desesperada de encarnar uma aura de enfant terrible, apoiando-se num filme-choque que está inacreditavelmente desprovido de alma. O realizador optou por contar a história de trás para a frente, recorrendo a uma câmera ultra-virtuosa que parece decidida a deixar o espectador à beira do vómito e a uma banda-sonora irritante. Nada de muito novo no campo da opção formal, uma vez que "Memento" já fez isto e com resultados bem mais satisfatórios. Aliás, no caso de "Irréversible", esta solução acaba por ser simplista até à raíz: começa-se o filme no completo caos e só no final encontra-se a paz. Por outras palavras: para alcançarmos o Céu temos de passar pelo tormento do Inferno.

Os temas do filme são muito interessantes e poderiam ter desencadeado um resultado estimulante, no entanto quer-me parecer que a importância da narrativa foi posta de parte e que a suposta transgressão da estrutura formal é que assumiu o controlo do projecto. Depois, a questão do choque e da provocação tornam-se um dado quase pueril, uma vez que Noé esquece-se que tem uma história para contar e que a substância ainda é uma mais valia nos filmes. Aliada a estas falhas está a abordagem simplista das personagens: para além de raras vezes acedermos à sua complexidade emocional, rapidamente são tipificadas como que para nos facilitar o trabalho de pensar. Assim sendo, Marcus representa o vingador sem tréguas, Pierre é a consciência que a tudo assiste e Alex é a serenidade que suporta todo o mal do Mundo. É, no entanto, em Monica Bellucci que se encontra o pólo triunfante de "Irréversible". As cenas em que a actriz entra eclipsam todas as outras e confesso que raras vezes se vê uma intérprete disposta a ir a estes limites de representação, entregando-se física e mentalmente a um papel decidido a sugar-lhe toda a vida. O que ela consegue acarretar particularmente no segmento da violação é de uma bravura que não merece passar despercebida. A ela faço-lhe todas as vénias...

Outro destaque positivo diz respeito à sinceridade das cenas de intimidade entre Alex e Marcus (personagem desempenhada por Vincent Cassell, companheiro de Bellucci também na vida real). Noé nunca escondeu a influência de Kubrick e faz como que uma homenagem ao mestre, no que diz respeito à captação do espaço conjugal (tal como em "Eyes Wide Shut"). De lamentar é que, fora estes pontos atractivos, "Irréversible" se qualifique como um exercício estilístico inconsequente, com grandes ares de pretensão e alheio à dimensão humana das suas personagens.

Classificação: 1/5

TOP 5 Filmes Para o Dia de São Valentim

2008-02-14T22:56:00.000-08:00

1) Casablanca, de Michael Curtiz

2) Antes De Amanhecer, de Richard Linklater

3) Moulin Rouge, de Baz Luhrmann

4) Eduardo Mãos de Tesoura, de Tim Burton

5) Um Amor Inevitável, de Rob Reiner

In The Valley Of Elah - No Vale De Elah (2007)

2008-02-11T00:10:00.000-08:00

A Verdade Escondida

Os recentes filmes sobre a estratégia militar norte-americana têm-se pautado por uma inteligência fora de série, conseguindo escapar aos terrenos banais do mero panfleto e ilustrando a dimensão humana nas suas mais variadas facetas. O novo filme do realizador e argumentista Paul Haggis (que se está a revelar uma força imparável no seio da indústria cinematográfica de Hollywood) é um bom exemplo da tentativa de reinvenção do cinema político que singrou na década de 70. Este drama intimista relata a inquietação de um casal que desconhece o paradeiro do filho, um jovem soldado chamado Mike Deerfield, que esteve em missão no Iraque e que entretanto regressou aos EUA. Após a junta militar de Mike lhe atribuir o estatuto de desertor, o seu pai, um militar na reforma, intervém e parte em busca dele, contando apenas com a ajuda de umas enigmáticas imagens de telemóvel captadas em terreno iraquiano e com o apoio de uma detective da polícia, Emily Sanders.

Em vez de ir para o local de guerra filmar os traumas in loco, Haggis concentra a sua atenção nas consequências que tal contexto cria nos seus intervenientes directos e, acima de tudo, indirectos. Acontece que "In the Valley Of Elah" destaca-se de outros filmes desta índole pelo facto de estar mais preocupado em captar as tragédias pessoais que ocorrem fora da esfera de acção previsível, ou seja, o cenário iraquiano. Na verdade, a lente do realizador incide sobre o casal Deerfield e Emily Sanders, os elementos que a passo e passo vão descobrindo os fantasmas de uma guerra que está longe de atingir o ponto do cachimbo da paz . O filme é muito perspicaz na forma como vai extravasando universos: começa-se a gerar na intimidade do núcleo familiar, rapidamente passa para o meio militar, depois alcança o painel de guerra no Iraque e finalmente retrata a actual mentalidade reinante nos EUA, aliando a toda esta metamorfose a questão da desumanização/humanização e a passagem biblíca que contempla David e Golias (que é um dos seus temas centrais).

"In the Valley Of Elah" é corajoso e sóbrio, não receando demonstrar o caos que se tornou a política de intervenção externa de George Bush e, nesse sentido, é uma obra que faz um resumo do trabalho do ainda Presidente. Uma das forças fundamentais para o sucesso do filme está no talento dos actores, excelentes nos tempos dramáticos e formando um todo bastante coeso que renega o choradinho. Temos então Tommy Lee Jones, magnífico na pele de ex-militar e pai rígido que ultrapassa tudo e todos de cabeça erguida, mas deixando escapar a mágoa, a culpa e a exaltação interior que o incomodam; Susan Sarandon fabulosa como sempre, com os seus olhos expressivos a revelar um mundo de dor que não lhe é novo; e ainda o poder vital de Charlize Theron, no papel da oposição a um sistema dominante e na representação ideal das mães dos novos filhos da América.

Claramente um objecto anti-guerra, não se pode dizer no entanto que "In The Valley Of Elah" seja anti-americano. Longe disso. Repare-se então no poder simbólico da bandeira americana ao contrário: o que está ali é a expressão do amor a um país que enfrenta um forte conflito de ideais e que precisa urgentemente de "ajuda". Confesso que não encontro visão mais política e redentora do que esta.

Classificação: 4/5

Into The Wild - O Lado Selvagem (2007)

2008-02-08T01:23:00.000-08:00

Uma História Simples

Sean Penn tem uma curta carreira como realizador, mas alcançou agora a excelência! Se este "Into The Wild" não for o filme do ano, vai de certeza andar lá perto. Penn adapta a história verídica de Christopher McCandless, um jovem de 22 anos recém-licenciado e com um futuro promissor que abandona a sua confortável posição social e se lança numa árdua odisseia em direcção à região inóspita do Alasca. McCandless é um adolescente que vive amargurado com a fantochada encenada pelo núcleo familiar e apenas a fuga desse panorama destrutivo parece ser a solução para acalmar a dor, levando a que o rapaz sinta necessidade de entrar em contacto com a sua verdadeira natureza. Desprovido de grandes bens materiais, Christopher assume uma nova identidade (Alexander Supertramp) e atira-se para a estrada, seguindo o seu caminho pelas vias mais selvagens e recônditas e cruzando-se com diversas pessoas que irão ficar afectadas pela sua personalidade peculiar. Durante esse processo penoso, ele testa a sua perseverança e os limites da sobrevivência humana em condições extremas.

"Into The Wild" é uma ode à sede de demanda existencial, em que a convulsão interior de um jovem está sempre em mutação. O que está em causa é a busca da verdadeira identidade de um indivíduo, a procura da espiritualidade própria de quem põe em causa o establishment e organiza a sua vida em função dos objectivos que pretende atingir, sejam eles socialmente bem vistos ou não. Christopher é alguém que se aliena de todas as coordenadas (geográficas, psicológicas, emocionais,...) e que vê numa trajectória solitária a condição fundamental para se auto-descobrir e testar. Lado a lado com "Into The Wild" encontram-se as memórias do livro de Jack Kerouac ("Pela Estrada Fora") e do filme de David Lynch, "Uma História Simples": acontece que todas estas narrativas apresentam protagonistas que conseguem conviver bem com a solidão e que encetam viagens de grande escala com um objectivo específico, que acabam por se traduzir numa evolução interior e num processo de purificação. Ainda: as três histórias denunciam que tão importante quanto o destino a que se quer chegar é a necessidade de estar sempre em movimento.

Sean Penn realiza um filme naturalmente longo, que nos faz sentir na pele o peso daquela jornada, mas que no entanto nunca se torna enfadonho. As paisagens selvagens, que constituem a tarefa difícil da realização, são captadas de uma forma muito bonita e percebe-se que Penn quis transmitir a imagem de alguma serenidade. Por fim, umas breves referências: no plano dos actores, especial destaque para Emile Hirsch no papel principal, que se revela um intérprete de grande profundidade, com capacidade para ir aos pináculos da representação e criar uma personagem com uma dimensão quase mitológica; de referir ainda que o filme não esquece a riqueza dos actores secundários, sendo que neste sentido o foco vai para a interpretação de Hal Holbrook, que é sem dúvida das melhores que já vi nos últimos anos, um prodígio de naturalismo e sensibilidade; a banda-sonora, da responsabilidade de Eddie Vedder, é um marco fabuloso neste campo, retratando com eficácia os estados de alma de Christopher; e o final, que é para lá de angustiante, resulta num conjunto de planos de rara beleza. Um filme sublime a todos os níveis.

Classificação: 5/5

Dissecando alguns Títulos...

2008-02-07T18:27:00.000-08:00

- Half Nelson: É uma designação aplicada no universo do wrestling. Consiste numa técnica que visa imobilizar o adversário, prendendo-lhe os braços e fazendo pressão no seu pescoço;

- A Clockwork Orange: Anthony Burgess, o autor do livro que esteve na base do filme, disse que a expressão "Laranja Mecânica" aplica-se ao ser humano, possuidor de livre arbítrio, que escolhe praticar somente o bem ou o mal - esse indivíduo tem a aparência de um corpo colorido e sumarento, mas na verdade é apenas um mecanismo manipulado por Deus ou pelo Diabo;

- In The Valley Of Elah: Trata-se de uma passagem biblíca e refere-se ao local onde David e Golias combateram.

The Darjeeling Limited (2007)

2008-02-06T23:37:00.000-08:00

União De Sangue

Começo por confessar que simpatizo com a obra de Wes Anderson, embora ainda me falte ver um filme do realizador que me arrebate por completo. Admiro, sobretudo, a sua capacidade de inspeccionar os dramas íntimos dos elos familiares sem nunca abdicar do seu característico tom de comédia melodramática, passando assim por "locais" tão contrastantes como a melancolia, o sarcasmo, o humor seco e a angústia existencial. "The Darjeeling Limited", não sendo genial, resulta num filme honesto e bonito, com sinceras intenções de retratar um trio de irmãos em busca de tranquilidade espiritual e aconchego maternal, após a morte do pai há um ano. Francis, Peter e Jack constituem o clã Whitman, que deposita na viagem à Índia uma esperança de reinventar o amor fraterno que os une, mas que estranhamente os separou nos últimos tempos. As suas personalidades são diferentes, no entanto guiam-se pela mesma estrada da complicação: Jack, o mais novo, é o rei nas indecisões amorosas e um esforçado escritor; Peter possui um lado influenciável e está a tentar lidar com o facto de ir ser pai brevemente; Francis é o controlador nato, com a face desfeita e um dente lixado após um recente acidente. Para essa odisseia do espírito eles vão apoiar-se na ajuda de um comboio apinhado (o Darjeeling Limited do título), que incansavelmente atravessa o país e que poderá ser a solução para os conduzir ao seu objectivo, ou seja, a paz merecida e o reencontro desejado com a mãe, que se tornou uma espécie de freira eremita. Durante o percurso mais que extenuante há tempo para contactar com as gentes, com a cultura e para pôr as conversas em dia, se bem que nem todas sejam amigáveis. A grande reviravolta dá-se quando os três são expulsos do transporte e se vêem perante a dificuldade de continuar a viagem, ao mesmo tempo que se deparam com uma situação trágica que lhes servirá de terapia de choque, fazendo com que ponham ainda mais em causa os fios da sua parca estrutura familiar. Wes Anderson revela-se hábil na ilustração dos bons sentimentos que inundam as suas personagens e na captação de uma Índia cromática e caótica, que no entanto não deixa de ser atractiva e que não se resume apenas a postal turístico. Mesmo que falte mais desenvolvimento humano, "The Darjeeling Limited" cumpre aquilo a que se propõe, resultando numa obra sedutora, dinâmica e cativante.

Antes do filme, é exibida a curta-metragem "Hotel Chevalier", em que a personagem de Jason Schwartzman se reencontra com a ex-namorada (Natalie Portman) num luxuoso quarto de hotel. Sexy, divertida e com uma curiosa banda-sonora.

Classificação: 3/5

eXistenZ (1999)

2008-02-05T09:36:00.000-08:00

Jogos De Poder

Um dos últimos grandes títulos da filmografia de David Cronenberg. É certo que "eXistenZ" tende a polarizar opiniões, mas isso também já é dado adquirido em quase todos os filmes do cineasta canadiano (criador de obras de culto tão fascinantes como "The Fly", "Videodrome" e "Crash")."eXistenZ" resume-se a um universo alucinado onde, indecifravelmente, se cruza a realidade com a ficção. Num futuro próximo e pouco hi-tech, os criadores de jogos de realidade virtual são autênticas celebridades e aos jogadores é permitida a entrada orgânica nessas plataformas, podendo vivenciar as experiências na sua totalidade. Allegra Geller é uma dessas super-estrelas da tecnologia, uma das designers mais conceituadas do ramo e responsável pelo célebre eXistenZ. Numa das exibições do seu novo produto, Allegra torna-se vítima de uma tentativa de homicídio. No entanto, o plano para a eliminar corre mal e ela acaba por ser salva por Ted Pikul, um dos funcionários da empresa que a representa. Receosa em relação à sua integridade física e à protecção do seu sistema, a designer foge com Ted e convence-o a entrar no jogo com ela, para assim se descobrir a identidade dos assassinos... "eXistenZ" surgiu por alturas de "Matrix" e tem em comum com a obra dos irmãos Wachowski a relação que os corpos estabelecem com as exaltações tecnológicas. Contudo, o filme de Cronenberg aposta num visual pouco estilizado para o género e no tratamento de uma narrativa estimulante, sem recurso a filosofia de pacotilha. O realizador insere os jogos em paisagens facilmente identificáveis, mas que por outro lado são também possuidoras de inúmeros elementos que as desvirtuam, causando uma sensação de estranheza e admiração. O jogo funciona como a metáfora perfeita para a construção dos laços afectivos e sociais, enquanto que a vida real parece não ter nenhuma relevância. É nesse cosmos alternativo e completamente viciante que a dimensão sexual se insinua e que o desejo arranca um papel principal; repare-se que "eXistenZ" está repleto de subtilezas sexuais e sensuais, como por exemplo as bio-portas fundamentais para todo o processo de jogo e o pod mutante de Allegra, que é sem dúvida a expressão máxima desta questão. Aliada a esta componente erótica está toda uma narrativa labiríntica (que exacerba o caos entre a realidade e a ilusão), que se entranha no nosso hipotálamo e não nos permite tirar nenhumas conclusões. No fim de contas, o filme é também ele uma espécie de jogo mental que pratica malabarismos com as nossas expectativas e certezas. Uma coisa é garantida: estar perante um objecto de cinema tão desafiador quanto este acaba por ser um prazer equivalente ao proporcionado por algumas plataformas electrónicas.

Classificação: 4/5

Little Miss Sunshine - Uma Família À Beira De Um Ataque De Nervos (2006)

2008-01-31T23:41:00.001-08:00

A Carrinha Mágica

Que delícia é este "Little Miss Sunshine"! São poucas as obras que conseguem unir tão bem a comédia inteligente com a mais aconchegante das ternuras e, nesse sentido, o filme triunfa por completo. Este road-movie atípico narra as desventuras de um clã disfuncional ou simplesmente excêntrico: o pai é um anti-losers convicto e guru da superação pessoal que tenta desesperadamente promover uma estúpida teoria dos 9 passos; o filho dedica-se à leitura compulsiva de Nietzsche e está já há alguns meses a cumprir um estranho voto de silêncio; o tio é um homossexual deprimido que falhou na sua tentativa de suicídio; o avô caracteriza-se por ser um hippie decadente e cocainómano com a língua bastante afiada; a mãe é o elemento mais equilibrado, que tenta por tudo ligar as pontas soltas entre os vários elos da família; e, finalmente, no meio de tanta peculiaridade está a benjamim Olive, uma simpática devoradora de concursos de beleza infantil que consegue mobilizar todos os adultos em direcção à famosa competição "Little Miss Sunshine", certame em que a menina faz questão de participar e que se realiza a largos quilómetros do lar. É aqui que entra a outra personagem do filme: a extravagante carrinha amarela, que é decididamente tão temperamental quanto os elementos humanos que nela se fazem transportar. É este problemático veículo que irá levar os Hoover ao seu objectivo, mesmo que tenham de passar por uma série de atribulações e algumas tragédias existenciais.

"Little Miss Sunshine" faz a apologia da importância da família, que neste caso se une em torno de um objectivo não muito estimulante, mas válido para afirmar o amor que existe entre todos (embora este sentimento se encontre algo abafado). Ao princípio, o filme pode dar a sensação de que vai manter as suas personagens apenas no patamar da caricatura, mas isto é só uma ilusão. Com o desenrolar da narrativa vai-se assistindo ao aprofundar da dimensão humana de cada um daqueles seres, sendo este um daqueles tópicos raras vezes tido em conta nas comédias. Curioso é também o facto de, durante a viagem, ser perceptível a contemplação às paisagens do interior dos EUA: apoiando-se numa fotografia de pasmar (e numa banda-sonora envolvente), o filme faz o retrato de uma América apelativa e capta um certo way of life, permitindo ainda que o espectador sinta que está dentro da carrinha com aquelas pessoas. No fundo, celebra-se a movimentação e a exploração de novos rumos como sendo condição sine qua non para o agregar de um clã à beira do colapso.

Quando o filme se começa a aproximar do fim, a acidez irrompe para parodiar o ridículo que habita nos concursos de beleza infantil. Os planos finais são de uma doçura extrema e ricos também em gargalhadas ruidosas. Porque as grandes comédias querem-se assim: capazes de nos comover enquanto estamos perdidos no riso...

Classificação: 4/5

Adrian Grenier e a Entourage

2008-01-30T22:53:00.000-08:00

Curiosidade Cinéfila: No filme "Celebridades" (1998), de Woody Allen, Adrian Grenier fazia parte da entourage da personagem de Leonardo DiCaprio. Actualmente, ele participa na série de sucesso "Entourage", onde desempenha uma estrela em ascensão acompanhada pela sua própria trupe.

Estreias Da Próxima 5ª Feira...

2008-01-29T08:51:00.000-08:00

- "Into The Wild - O Lado Selvagem", de Sean Penn

- "Sweeney Todd - O Terrível Barbeiro de Fleet Street", de Tim Burton

- "Lust, Caution - Sedução, Conspiração", de Ang Lee

Definitivamente, esta é a época em que o bom cinema invade as salas nacionais.

Adaptation - Inadaptado (2002)

2008-01-28T08:42:00.000-08:00

Confissões De Uma Mente Bloqueada

"Adaptation" é uma das mais geniais obras dos últimos anos! Só mesmo Charlie Kaufman para conseguir levar a bom porto uma bizarria deste género, que tem tanto de cómico como de ternurento. A inspiração para a criação deste inusitado filme partiu da real dificuldade de Kaufman em adaptar cinematograficamente o livro de Susan Orlean, "The Orchid Thief", que se baseia nas desventuras de John Laroche (um homem algo rude que nutre uma verdadeira obsessão pela busca de plantas exóticas). O que se examina em "Adaptation" é exactamente o argumentista Charlie Kaufman e as suas problemáticas em tecer uma narrativa cinematográfica baseada na obra de Orlean, ao mesmo tempo que espreitamos a investigação desta em torno do homem das plantas, que lhe permitirá escrever o seu livro.

Pelo meio, surge o irreverente e ficcionado irmão gémeo de Charlie, Donald, decidido a seguir o ofício do mano, se bem que sem grandes rasgos de originalidade. O grande senão de toda esta trama é que Charlie está a atravessar um período de bloqueio criativo, em que a escrita não lhe flui de todo. A poucos e poucos, sem consciência disso, Charlie começa a incluir-se no argumento que está a escrever, deturpando a essência original da obra e contaminando-a com as suas próprias angústias e neuroses. No outro pólo, Donald inicia um percurso de triunfo com a sua escrita banal e apressa-se então a dar uma ajudinha ao irmão em apuros.

Confusos? É normal que sim, até porque tentar explicar o filme é uma tarefa árdua e quase sempre mal-sucedida. Mas não há nada a temer: depois de se ter contacto com esta obra-prima, não é assim tão complexo perceber todas estas teias humanas. No fundo, o filme que vemos não é a adaptação do livro de Susan Orlean, mas sim a complicação de Charlie em ultrapassar a sua fase negra e como a sua vida disfuncional começa a afectar a metodologia do seu trabalho. Este insólito filme demonstra, de forma bastante acutilante, a dificuldade e as técnicas presentes no processo de criação dos diferentes objectos de arte e lança uma dura crítica à estafada fórmula "Sexo + Drogas + Violência Gratuita = Sucesso" que sempre imperou no reino cinematográfico, com maior ou menor qualidade.

O final satírico, que parece descambar e estragar tudo o que vinha sendo construído tão eficazmente, é mais inteligente do que parece e é a conclusão mais que perfeita para um filme tão alucinado quanto este (é só juntar as peças soltas e o sentido vem logo ao de cima). Os actores estão todos em topo de forma: Nicolas Cage em versão dupla exemplifica o excelente actor que é quando tem realmente uma personagem e um bom filme para defender; Chris Cooper continua um belíssimo actor de composição e Meryl Streep é a Meryl Streep, fabulosa como sempre e a personificação ideal de vulnerabilidade e sensibilidade. Depois de "Being John Malkovich", prova-se mais uma vez que a união Charlie Kaufman e Spike Jonze tem muito caminho ainda por desbravar. Uma delícia de filme...

Classificação: 5/5

Election - Eleições (1999)

2008-01-24T18:24:00.000-08:00

Senhora Presidente

Antes do reconhecimento mundial que obteve com "Sideways", Alexander Payne foi o realizador desta deliciosa comédia satírica que se movimenta no universo adolescente. A acção desenrola-se num liceu norte-americano: Jim McAllister é um respeitado professor de Estudos Sociais que se dedica de corpo e alma à profissão. Ele adora a influência que tem nos seus jovens estudantes, mas existe uma aluna com quem embirra infernalmente: Tracy Flick. Tracy é alguém para quem a escola é tudo na vida, não se importando sequer com o facto de ser uma solitária nem com o moderar da sua personalidade demasiado ambiciosa. Mas ela é alguém que veste capa de santa: acontece que Tracy envolveu-se com um professor, amigo de Jim, destruindo-lhe a vida familiar e profissional e saindo ilesa de toda essa situação. Quando Tracy se candidata a presidente do Corpo Estudantil, Jim começa a arquitectar um plano para lhe sabotar a campanha eleitoral e assim vingar o amigo. O professor convence um aluno irremediavelmene bronco, mas popular, a entrar na corrida pelo cargo, de forma a destronar a posição de destaque de Tracy. O que se vai passar naquele anónimo liceu durante a época de campanha é um espectáculo de sangue, suor e lágrimas de fazer corar as presidenciais americanas. "Election" adapta o livro de Tom Perrotta (o autor de "Little Children") e examina as atribulações do quotidiano de alguns estudantes, para quem a escola funciona como um segundo lar onde podem desempenhar um papel de grande relevo. Payne carrega na acidez para caracterizar este painel, mas é lúcido ao ponto de não atirar os seus adolescentes para os simplismos sociológicos que são banalizados na televisão, nomeadamente nas populares séries juvenis. Tracy é o exemplo perfeito: é verdade que ela é irritante e cínica, mas também se reconhece que é empenhada e responsável nos projectos que leva avante. No meio, Payne ainda tem espaço para descrever o exagero em torno de algumas acções escolares, que são aqui retratadas como tarefas com uma dimensão ao nível governamental. Matthew Broderick veste bem o papel do professor implacável que não quer ver a aluna a triunfar (apesar dele próprio não ser um santo) e Reese Witherspoon rouba o filme enquanto Tracy. O resultado é uma comédia divertida, que foi abençoada pela crítica e que já na altura dava indícios do talento do seu realizador.

Classificação: 3/5

Os Melhores Posters Dos Últimos Anos, Parte II

2008-01-23T23:32:00.000-08:00

- "Lord Of War - Senhor da Guerra" (2005): O poster do filme de Andrew Niccol, que foca o universo do negócio de armas, apresenta a imagem de um Nicolas Cage formado por balas (basta clicar na imagem para se ver melhor);

- "The Descent - A Descida" (2005): "A Descida" é um excelente conto de terror de baixo orçamento, já possuidor do rótulo de culto. O poster evoca o inferno vivido por um grupo de amigas, durante a sua expedição a umas grutas. Elas têm de contar umas com as outras para sobreviver e a imagem que resulta dessa união é a de uma caveira;

- "Paris, Je T'Aime" (2006): Para a ode ao amor na capital francesa, que reúne diversas contribuições artísticas, a opção recaiu sobre uma magnífica imagem de um coração arrebatador, com Torres Eiffel a pulular. É um belíssimo poster que alicia ao visionamento do filme;

- "The Secretary - A Secretária" (2002): Este é o ousado filme que reúne James Spader e Maggie Gyllenhaal. Ele é um advogado que contrata uma jovem com perturbações mentais para sua secretária e juntos envolvem-se numa relação sexual pontuada pelo sado-masoquismo. O poster é simples e provocador, mas também eficaz.

The Human Stain - Culpa Humana (2003)

2008-01-23T09:45:00.001-08:00

Viagem Ao Passado

Coleman Silk é um prestigiado professor universitário que, certo dia, comete um erro ao referir-se a dois alunos negros ausentes como sendo "spooks" (termo com uma forte conotação racista). Essa simples afirmação, proferida sem qualquer espécie de maldade, acaba por virar do avesso a vida do docente: ele perde o emprego, o respeito e a sua mulher, que acaba por falecer na sequência destas reviravoltas. Coleman apenas encontra apoio emocional no seu fiel amigo e confidente Nathan Zuckerman, até ao dia em que se cruza com Faunia, uma bela empregada de limpeza com um percurso pessoal marcado pela tragédia. Entre este par tão improvável estabelece-se uma estranha relação amorosa, onde a importância do sexo está muito vincada, mas onde estranhamente os laços emocionais parecem não se querer enlear, para que nenhum deles saia magoado nem tenha que dar mais do que aquilo que é capaz. Contudo, esta ligação socialmente "proibida", que se vai mantendo nestes termos desequilibrados, não se revela um mar de rosas, já que o violento ex-marido de Faunia se insinua e começa a perturbar o casal. Entretanto, no decorrer da trama, vamos sendo apresentados a flashbacks referentes ao passado de Coleman Silk e, mais especificamente, a um segredo muito bem guardado que o acompanhou toda a vida (segredo esse que corrompeu definitivamente os seus laços familiares e que poderia ter evitado as complicações do presente).

The Human Stain tem por base a obra desse grande autor que é Philip Roth e foi realizado pelo veterano Robert Benton (o responsável pelo já clássico Kramer Vs. Kramer, com Dustin Hoffman e Meryl Streep). O filme aborda o peso da culpa, da intolerância e dos fantasmas do passado que atormentam a existência do par central. A narrativa é perpassada por uma abordagem clínico-confessional, que adensa a intimidade das personagens e que se torna fundamental para a exploração das mesmas. Estamos perante um drama de grande fôlego, que dá ares de alguma austeridade formal e temática e que se reveste de uma maturidade invejável. Enquanto marca passo na arte do storytelling, o filme tem ainda o mérito de ser psicologicamente denso ao mesmo tempo que deixa transparecer um certo tom de suavidade. O espantoso é esta capacidade, esta facilidade com que demonstra uma personalidade muito low-profile nos seus propósitos, sem deixar, no entanto, de nos atingir no âmago com toda a sua veracidade dramática.

Quanto ao casting, sinceramente, nunca compreendi o porquê de tanta celeuma: é certo que as opções poderiam ter recaído noutros actores (e quem viu o filme sabe do que estou a falar), mas seria injusto menosprezar o talento dos envolvidos. Anthony Hopkins e Nicole Kidman são bastante convincentes na abordagem aos seus papéis e sente-se uma ligação nesta dupla, sendo este um dos pontos-chave para que toda a dinâmica do filme resulte. É certo que The Human Stain exige um elevado grau de suspension of disbelief por parte do público, mas essa exigência está actualmente presente em tantas obras que não se torna uma medida assim tão difícil de adoptar. O que importa é que sejamos envolvidos no espírito daquela história e na trajectória daqueles indivíduos; esse é o objectivo fulcral. Finalmente, as sentidas interpretações do elenco secundário são também elas dignas de registo: Wenthworth Miller, Gary Sinise e Ed Harris complementam o esforço interpretativo do par principal com grande dignidade. A recuperar.

Classificação: 4/5

RIP Heath Ledger (1979-2008)

2008-01-22T23:00:00.000-08:00

Poucos dias depois da morte de Brad Renfro, eis que surge outra péssima notícia: Heath Ledger, de 28 anos, foi encontrado morto na tarde de 3ª feira, numa residência em Manhattan. Junto do corpo do actor encontravam-se comprimidos para dormir. Heath deixa uma filha de 2 anos, Matilda, fruto da sua relação com a também actriz Michelle Williams (o casal conheceu-se no set de "O Segredo de Brokeback Mountain", mas actualmente encontrava-se separado).

Heath Ledger começou a conhecer o sucesso com o filme adolescente "10 Coisas Que Odeio Em Ti". Seguiram-se títulos como "Coração de Cavaleiro", "O Patriota", "Monster's Ball - Depois Do Ódio" e "As Quatro Penas Brancas". A partir do gigantesco triunfo artístico e comercial do filme de Ang Lee, que fez com que a sua magnífica composição fosse nomeada ao Oscar, Heath começou a fincar ainda mais o seu grandioso talento. Surgiu assim no independente "Candy", participou no biopic sobre Bob Dylan "I'm Not There" e estava a causar burburinho pelo seu The Joker na última empreitada da saga Batman, "The Dark Night".

Nada fazia prever um desfecho tão traumático quanto este para um talento que ainda tinha muito que brilhar! Tal como aconteceu no início dos anos 90 com a perda de River Phoenix, quero acreditar que algumas celebridades irão agora rever os seus comportamentos excessivos e auto-destrutivos...

Atonement - Expiação (2007)

2008-01-22T08:37:00.000-08:00

Amor em Tempo de Guerra

"Atonement" é um belo melodrama que recupera os modelos românticos do período clássico de Hollywood, mas que ao mesmo tempo investe numa originalidade formal muito própria da actualidade. E este cruzamento de correntes constitui, logo à partida, um factor decisivo para o sucesso do filme.

A história inicia-se em 1935, na Inglaterra, numa tarde escaldante: Briony Tallis, uma miúda de 13 anos com um talento extraordinário para a escrita e com uma imaginação mais que fértil, vê a sua irmã mais velha, Cecilia, a mergulhar na fonte do jardim acompanhada pelo filho dos caseiros, Robbie. Cecilia e Robbie conhecem-se há alguns anos, mas só agora tomam noção do quão atraídos se sentem um pelo outro, apesar de quase não o quererem reconhecer. Contudo, a mente de Briony acaba por intervir e deturpa totalmente aquela imagem do jovem casal junto à fonte. Esse mau julgamento irá desaguar numa noite trágica: durante um elegante jantar de família, Robbie é acusado de um crime muito grave e acaba por ser preso. A partir daqui, as vidas de Cecilia, Robbie e Briony serão para sempre afectadas pelos acontecimentos daquele dia nefasto e os sentimentos de culpa e injustiça irão predominar nas suas existências.

A narrativa em "Atonement" prima por uma não-linearidade e pela inclusão de várias perspectivas sobre os mesmos acontecimentos (e este último facto é fundamental para a evolução da história e das personagens). Como cereja no topo do bolo, até temos direito a twist final e tudo (que se finca na memória com uma eficácia de se lhe tirar o chapéu). Embora o cerne da história seja o romance atribulado entre Robbie e Cecilia, é Briony quem assume um papel de destaque. É ela o agente despoletador dos acontecimentos que presenciamos e é através dos seus olhos que a trama se constrói (e se desconstrói também).

Apetece dizer que "Atonement" é daqueles filmes que nem parecem deste tempo, tal é a estranheza que causa. No entanto, é competente ao conquistar os espectadores pelo seu tom de tragédia de grande escala, combinado com um romantismo inflamado (diria até mesmo arrebatador e desesperado), com uma alta carga erótica e com o poder redentor da arte enquanto pano de fundo melancólico. Joe Wright, o realizador, faz uma clara homenagem ao classicismo romântico, sem nunca descair numa mera função tarefeira de transposição dos códigos do género. Ele conhece os meandros por onde se move e reconhece perfeitamente a importância da substância e da sensibilidade num filme desta natureza, pelo que o seu ofício nunca se coloca no patamar do simples copista aplicado.

O filme apresenta grandes valores de produção, uma criatividade ao nível da mise en scène que é inegável e uma banda-sonora insinuante que marca presença de uma forma obsessiva. Para além disso, o jovem elenco dá provas de ter entrado no espírito do projecto: James McAvoy é um excelente actor em ascensão e Keira Knightley, actriz sobre a qual depositava algumas dúvidas há já alum tempo, comprova de uma vez por todas o seu imenso talento e versatilidade. Vencedor do Globo de Ouro para Melhor Filme - Drama e nomeado para 7 Oscar.

Classificação: 4/5

Thelma & Louise (1991)

2008-01-19T10:06:00.000-08:00

Dias De Liberdade

Thelma e Louise são grandes amigas que decidem partir ao encontro de um fim-de-semana de descanso e puro deleite, fugindo assim por pouco tempo aos seus quotidianos deprimentes. A rápida paragem num bar vai-se revelar um inferno: entre copos e algumas danças, Thelma cai nos braços de um playboy que a tenta violar no parque de estacionamento do bar. Mas Louise intervém e, num acesso de fúria, dispara mortalmente sobre o homem. Em choque, Thelma e Louise metem-se à estrada e tentam planear o seu destino, ao mesmo tempo que começam a ser perseguidas pelas forças policiais. "Thelma & Louise" é um fabuloso road-movie no feminino, com duas personagens complexas e cativantes (e todos sabemos o quão raro é um filme com dois papéis femininos fortes e representados por alguém com mais de 30 anos). O filme de Ridley Scott entra nas teias da alma feminina e o que resulta é um processo eminentemente catártico. O que está aqui em jogo é a busca da verdadeira identidade, o quebrar das amarras e um olhar sobre a solidez (e importância) de uma grande amizade. "Thelma & Louise" tem fé na perseverança e na maturidade e, acima de tudo, é um elogio às escolhas que fazemos para as nossas próprias vidas. A par disso, é um curioso passeio pelo interior da América, perscrutando os seus patrimónios e as suas gentes, e esse vislumbre consegue ser tão contemplativo quanto angustiante. O filme é algo traiçoeiro, na medida em que inicialmente aparenta ser apenas um road-movie com pitadas de humor, mas após o incidente no bar percebemos que as voltas estão-nos a ser trocadas e que cedo vamos entrar num drama emocionalmente estimulante e compensador. Aquele final assombroso é o exemplo disto mesmo: é um expoente memóravel e devastador. Geena Davis e Susan Sarandon (duas das actrizes que mais prezo), são fenomenais na materialização do desejo de quebrar as suas fronteiras individuais e de alcançar o cheiro da liberdade. A química entre elas resulta em pleno e esse é um factor decisivo para o sucesso do próprio filme. Ridley Scott (o realizador de "Blade Runner" e "Alien") tem em "Thelma & Louise" um dos seus trabalhos mais equilibrados, que aos poucos está a cultivar a aura de clássico. Para mim já atingiu esse estatuto.

Classificação: 5/5

Críticas À Pressão...

2008-01-17T09:27:00.000-08:00

Classificação: 3/5

Classificação: 2,5/ 5

Classificação: 3/5